Declaran patrimonio cultural e inmaterial vestimentas regionales de Oaxaca

Autor: Redacción ADN
Vía ADN Sureste | Marzo 2, 2016

San Raymundo Jalpan, Oax., 2 de marzo. La LXII Legislatura del Congreso Estatal, declaró como Patrimonio Cultural e Inmaterial de Oaxaca, los diseños, vestimentas o trajes regionales característicos de las comunidades de pueblos indígenas reconocidos en la Constitución del Estado, las artesanías que en ellas se producen, así como las lenguas habladas por dichas poblaciones.
De acuerdo al dictamen aprobado por mayoría, se establece que los pueblos y comunidades indígenas tienen derecho social a mantener, desarrollar, preservar y proteger sus propias identidades y los elementos que lo conforman. Adiciona también preservar sus tradiciones y costumbres a través de programas culturales y políticas públicas, para apoyar la conservación de textiles y diseño.

En dicho documento, se establece que esta acción permitirá la generación de mecanismos pertinentes en coordinación con los pueblos y comunidades para la protección de cada uno de los elementos.

El dictamen aprobado tiene como antecedente, iniciativas presentadas por las y los diputados Jaime Bolaños Cacho Guzmán, integrante de la Fracción Parlamentaria del Partido de la Revolución Democrática (PRD), Alejandro Martínez Ramírez del Partido Acción Nacional (PAN), Martha Alicia Escamilla León y María Lilia Arcelia Mendoza Cruz del Partido Revolucionario Institucional (PRI).

En la exposición de motivos, el dictamen refiere que la expresión “Patrimonio Cultural”  ha cambiado en las últimas décadas; debido en parte a los instrumentos elaborados por la UNESCO. Refiere que el patrimonio cultural no se limita a monumentos, sino que  comprende también tradiciones o expresiones vivas heredadas y transmitidas a las nuevas generaciones, como tradiciones orales, artes del espectáculo, actos festivos y saberes y técnicas vinculadas a la artesanía tradicional.

En los antecedentes que dieron origen a la declaratoria, se indica que en julio de 2015, una diseñadora francesa, presentó como propia una blusa tradicional de la comunidad de Santa María Tlahuitoltepec, Mixe, con ello se inició un juicio para defender los derechos de la prenda a través de una empresa que pretende obtener la patente del diseño tradicional y así comenzar la explotación comercial del bordado.

En este contexto, las Comisiones Permanentes Unidas de Asuntos Indígenas y de Cultura, propusieron generar un tratamiento prioritario en los programas de conservación, protección, investigación, catalogación, revaloración, difusión, intervención, custodia y rehabilitación de la riqueza cultural antes mencionada.

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There Are More Piñatas Than People in This Mexican Town | Short Film Showcase

By: National Geographic
Via YouTube | March 9, 2018

In The Piñata King, filmmakers Paul Storrie, Chris Lee, and Charlie Kwai of Tripod City profile a town full of piñata makers—and the papier-mâché master who started it all.
In The Piñata King, filmmakers Paul Storrie, Chris Lee, and Charlie Kwai of Tripod City profile a town full of piñata makers—and the papier-mâché master who started it all. For more than 50 years, Francisco and his family have been making and selling piñatas. Although most of his colorful works of art end up being destroyed, Francisco finds happiness in bringing joy to the children of his community. Now, he continues his legacy by sharing his process with others from his small town outside Mexico City. In The Piñata King, filmmakers Paul Storrie, Chris Lee, and Charlie Kwai of Tripod City profile a town full of piñata makers—and the papier-mâché master who started it all.
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Hayao Miyazaki: What You Can Imagine

By: JD Thompson
Via YouTube | September 4, 2016

This is a brief analysis of animator filmmaker, Hayao Miyazaki.

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CGI Short Film “Extinguished” by Ashley Anderson and Jacob Mann

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Authors: Ashley Anderson and Jacob Mann
Via YouTube | July 23, 2017

Video animation recommended by Fernanda Xanat López Ortega from Mexico, collaborator of Arttextum’s Replicación

“Extinguished” by Ashley Anderson and Jacob Mann In a world where flames represent love, it’s easy to get your heart burned.

Running time: 03:43

Created at Ringling College of Art and Design
Jacob Mann – jacobmannart.com
Ashley Anderson – ashleyanderson.squarespace.com

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Start with why — how great leaders inspire action | Simon Sinek | TEDxPugetSound

Autor: Simon Sinek
Vía YouTube | Publicado en Septiembre 28, 2009

 

TEDx Puget Sound speaker – Simon Sinek – Start with Why: How Great Leaders Inspire Action

About TEDx, x=independently organize event
In the spirit of ideas worth spreading, TEDx is a program of local, self-
organized events that bring people together to share a TED-like experience.
At a TEDx event, TEDTalks video and live speakers combine to spark deep
discussion and connection in a small group. These local, self-organized
events are branded TEDx, where x=independently organized TED event.
The TED Conference provides general guidance for the TEDx program, but
individual TEDx events are self-organized.*
(*Subject to certain rules and regulations).

.

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Small acts which bring about big change

Small acts which bring about big change

Author: PlayGround+
Via Facebook | April 23, 2017

Video recommended by Mick Lorusso from the USA / Italy, collaborator of Arttextum’s Replicación

 

Small acts which bring about big change.

Enough said! 🙂

 

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Indígena de 81 años aprende a usar computador y crea diccionario para salvar su idioma de la extinción

Autor: QGA Opinao bem informada
Vía Crónicas de la tierra sin mal | Noviembre 14, 2015

 

Marie Wilcox, una bisabuela de 81 años es la última persona del mundo que habla con fluidez el idioma Wukchumni. El pueblo Wukchumni llegó a tener una población de 50.000 personas,  pero ahora son solamente 200 personas que viven en el valle de San Joaquin en California.

Su lenguaje fue muriendo lentamente con cada nueva generación, pero María se comprometió con la tarea de revivirlo, aprendiendo a usar una computadora y escribiendo el Primer Diccionario Wukchumni. El proceso tomó siete años y ahora que lo terminó no quiere dejar su trabajo de inmortalizar su lengua materna.

El  documental  “Marie’s Dictionary”, (en lengua inglesa), disponible en Youtube, nos muestra la motivación de Marie y trabajo arduo para  traer de regreso y registrar un idioma que fue casi totalmente extinto por la colonización, el racismo institucionalizado y la opresión.

En el video, Marie admite tener dudas sobre la gigantesca tarea en la que se comprometió: “tengo dudas sobre mi lengua, y sobre quien quiere mantenerla viva. Nadie parece querer aprenderla. Es extraño que yo sea la última. Todo estará perdido en uno de estos días, no sé.”

Pero felizmente, ese día aún va a tardar en llegar. Marie y su hija dan ahora clases a los miembros de la tribu y trabajan en un diccionario en audio para acompañar el diccionario ya escrito.

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¿Se puede aprender a ser artista?

¿Se puede aprender a ser artista?

Autor: 
Vía Jotdown | Marzo 2017

Artículo recomendado por Cindy Elizondo, colaboradora de Costa Rica para Replicación de Arttextum

Tenemos una imagen del artista. Y es una imagen de la que es difícil escapar, muy formada, fija, casi cincelada en mármol: el artista es una persona solitaria y ensimismada en su investigación y su trabajo. Una persona con un talento especial, un don recibido por los hados o las musas y que manifiesta desde la infancia más temprana. Alguien destinado, predestinado al arte.

¿Pues saben una cosa? Esa imagen es más falsa que un Velázquez comprado en el Retiro. Sí, es cierto que un creador puede tener aptitudes más o menos naturales. Una sensibilidad más enfocada o una predisposición a observar e interpretar el mundo, pero lo más probable es que no tenga nada que ver con infusiones divinas, sino con la educación, lo familiar o lo ambiental. Incluso algo tan intangible, tan aparentemente hermético como el genio, también se puede aprender. Y enseñar.

El propio Diego Velázquez no emergió de una marmita de gracia artística. Su talento ya se apreciaba en la infancia, sí, pero nunca como un encapsulado prodigio. A Velázquez le enseñaron. Le enseñaron el «arte bien y cumplidamente según como vos lo sabéis sin encubrir de él cosa alguna.» Así rezaba parte del contrato que su padre, Juan Rodríguez de Silva, firmó con el pintor sevillano Francisco Pacheco. Diego tenía once años y aprendió, ya lo creo que aprendió. Aprendió a moler los colores, a decantar los barnices y a tensar los lienzos. Y aprendió a dibujar, porque Pacheco, que más tarde se convertiría en su suegro, no era un gran pintor pero era un excelente dibujante a lápiz y a carbón. Velázquez aprendió a delimitar contornos, a usar las sombras y a generar expresiones. En cien estudios y retratos, Diego aprendió todo lo que pudo, todo lo que Pacheco sabía sin ocultarle ninguna cosa. Y cuando ya no tuvo más que aprender, aprendió a buscar su propio camino. Aprendió a ir más allá. Aprendió a pintar lo que no existía en el lienzo ni en la figura. Lo que había en el medio. Aprendió a pintar el aire.

Sueño de San José, Francisco Pacheco, 1617 y Adoración de los Magos, Diego Velázquez, 1619.
Sueño de San José, Francisco Pacheco, 1617 y Adoración de los Magos, Diego Velázquez, 1619.

La arquitectura es la disciplina artística menos artística de todas, sobre todo desde la eclosión del Movimiento Moderno a principios del siglo XX. La arquitectura siempre responde a un programa y a una función porque siempre debe cumplir la función y el programa para los que ha sido concebida. Y además debe ser sólida, consistente y resistente; literalmente, no como característica conceptual. Los edificios tienen que mantenerse en pie. La arquitectura es el arte más profesional de todos porque debe cumplir la utilitas y la firmitas vitruvianas. Pero, ¿y la venustas? ¿Y la belleza? ¿Se puede enseñar la belleza arquitectónica?

Eduardo Souto de Moura nació en Oporto en 1959. Su padre, José Alberto, era cirujano oftalmólogo y de él aprendió la exactitud y la precisión. De su madre, Maria Teresa Ramos, aprendió la dedicación y el trabajo constante. Maria Teresa era ama de casa. Souto de Moura estudió en la Escola Superior de Belas Artes de Porto antes de que se convirtiese en Facultad de Arquitectura. La arquitectura era una de las bellas artes y allí aprendió a que sus edificios fuesen útiles, fuesen firmes y también a que fuesen bellos. Aunque aún no tenía del todo claro dónde estaba la belleza en la arquitectura. Aún sin terminar la carrera, trabajó durante cinco años en el estudio de Álvaro Siza Vieira, el gran maestro de la arquitectura portuguesa. De Siza aprendió el respeto por el contexto, por el lugar y por el tiempo. Aprendió que los edificios pertenecían a una tradición material e incluso simbólica, a veces transnacional y a veces vernácula. Allí comprendió que la belleza de la arquitectura no se podía aislar, sino que se conformaba por un agregado poliédrico de múltiples características interconectadas e interrelacionadas. Que todo contribuía a generarla. La belleza era imposible sin exactitud y precisión, sin dedicación y trabajo continuo, sin utilidad y resistencia, sin comprensión del tiempo, el lugar y el mundo. Quizá nunca supere a su maestro, pero de él también aprendió a volar libre, porque fue el propio Siza quien insistió una y otra vez en que abriese su propio despacho. Y así lo hizo en 1980, al poco de licenciarse. Eduardo Souto de Moura fue galardonado con el Premio Pritzker en 2011. Álvaro Siza lo había recibido en 1992.

A veces, el aprendizaje no es vernáculo sino exterior. Y eso pasa en cualquier disciplina, también en el arte.

Cristina Iglesias comenzó la carrera de Ciencias Químicas pero la abandonó enseguida para estudiar arte. Seguramente algo tendría que ver con la pequeña nube noosférica que sobrevolaba su familia y que hizo que todos los hermanos —los cinco— acabasen dedicados a profesiones creativas: desde el compositor Alberto hasta la escritora y guionista Lourdes. Cuando ya había cumplido veinte años, Cristina abandonó su Donostia natal para aprender dibujo y cerámica en Barcelona. Allí descubrió la escultura y el barro: «Me interesaba ese material moldeable al que podía añadir color.» Pero Iglesias quería buscar nuevos lenguajes que no podía encontrar en Barcelona. Así que, en 1980, se marchó a Londres, a la Chelsea School of Art. En la capital británica todo era distinto, era más abierto, menos atado al clasicismo o al academicismo. Surgía la new british sculpture y surgían figuras como Tony Cragg, Richard Wentworth o Anish Kapoor.

Cloud Gate de Anish Kapoor, instalada en Chicago en 2004 y las puertas de la ampliación Museo del Prado de Madrid, obra de Cristina Iglesias de 2007. Fotografías: Steve Wright Jr. y Jacinta Lluch Valero (CC)
Cloud Gate de Anish Kapoor, instalada en Chicago en 2004 y las puertas de la ampliación Museo del Prado de Madrid, obra de Cristina Iglesias de 2007. Fotografías: Steve Wright Jr. y Jacinta Lluch Valero (CC)

Cristina Iglesias aprendió de todos ellos. De Kragg aprendió la articulación sinuosa, de Wentworth aprendió la yuxtaposición de materiales y elementos que no suelen estar juntos, de Kapoor aprendió la distorsionada reflexión de la luz. Y no les hizo caso a ninguno de ellos. Por eso, cuando recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1999, nadie pudo encontrar influencias directas en sus superficies rugosas y matéricas o en sus intrincadas celosías. Porque Iglesias siempre quiso trabajar en el lateral de la corriente. Y quizá fue ese su mayor aprendizaje: que la verdadera enseñanza reside en el pensamiento, no en la imitación.

Y también hay casos en los que no se aprende de maestros y ni siquiera de colegas de disciplina; se aprende de coetáneos y de amigos. Se aprende de un ambiente generacional. Y todos aprenden de todos.

Cuando llegó a Madrid a los dieciocho años, Pedro Almodóvar no llevaba una maleta de cartón, sino el maletín de maquillaje de Patty Diphusa. En La Mancha de su infancia había aprendido que no quería saber nada de La Mancha ni de su infancia, que no quería saber nada del mundo en el que había crecido. Quería un mundo distinto y quería contarlo en una pantalla y, aunque no pudo matricularse en la escuela de cine, le dio igual porque aprendería de todo lo demás. Y todo lo demás era, literalmente, todo. Almodóvar aprendió del aire nuevo y de las calles nuevas. Aprendió del porno, de la cultura y de la contracultura. De El Víbora y de Diario 16. Aprendió de Félix Rotaeta y de Carmen Maura y de Ana Curra y de Alaska y de Carlos Berlanga y de Fabio McNamara y de Alberto García-Alix. Todos amigos y todos coetáneos. Todos movidos en la Movida. Y todos aprendieron de él. Todos aprendieron a mearse delante de la cámara, a estar al borde de un ataque de nervios, a disfrutar de las grandes gangas y a mirarse el lado femenino.

Y todos se enseñaron y todos aprendieron a crecer y a entender el pasado. A entender que Madrid les pertenecía como les pertenecía México, León, El Escorial o Calzada de Calatrava. Y Almodóvar siguió aprendiendo, entre Óscars, Goyas, Césars, BAFTAs y Davides de Donatello. Entre el Premio Nacional de Cinematografía y el Premio Príncipe de Asturias aprendió incluso a Volver. También aprendió de Russ Meyer, de John Waters o de David Lynch, como lo había hecho de Fernando Colomo y de Alfonso Marsillach. Y ellos aprendieron de Almodóvar. Hasta ahora y desde el principio.

Desde el principio enseñan en la Escuela de Profesiones Artísticas SUR fundada por el Círculo de Bellas Artes y La Fábrica. Enseñan a aprender. Y a aprenderlo todo de todos. Allí no estará Velázquez, pero sí estará Souto de Moura, Iglesias, Almodóvar y García-Alix. Como estará Luis de Pablo, Oscar Mariné o Eduardo Arroyo. Y también estarán alumnos de todas las edades y procedencias de los que aprender y a los que enseñar. Aprender y enseñar a mezclar colores, a absorber influencias de todos lados, a contemplar el contexto y el tiempo y el lugar, a mirar y a volver o a pensar sin imitar. En definitiva, a querer ser artista. A querer al arte.

Sí, quizá para ser artista solo necesitamos proponérnoslo. Y dejar que nos enseñen.

Imagen de portada: Ana María González, Medellín, Colombia, veintitrés años. Artista plástica. Alumna de SUR. Foto: Luis de las Alas

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19 artistas que expanden los límites del bordado

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Autor: Cultura Inquieta
Vía Diseño | Noviembre 20, 2016

Artículo recomendado por Karla Castillo, colaboradora de México para Replicación de Arttextum

 

El arte del bordado ha existido a través del tiempo, datando del siglo V antes de Cristo. A pesar de sus siglos de antigüedad, este inmemorial oficio ha sido renovado continuamente por visionarios artistas que amplían las fronteras de su propósito y sus límites. Desde retratos hiperrealistas bordados a prendas de punto para coches, los creativos han llevado este campo a lugares nuevos y emocionantes con sus obras de arte.

Aquí podemos ver algunos de nuestros artistas favoritos que han llevado el arte del bordado al siguiente nivel.

#1 Ana Teresa Barboza (en imagen)
#2 Severija Inčirauskaitė-Kriaunevičienė
#3 Art of Silk
#4 Meredith Woulnough
#5 Lisa Smirnova
#6 Danielle Clough
#7 Jose Romussi
#8 Teresa Lim
#9 Izziyana Suhaimi
#10 Debbie Smyth
#11 Cayce Zavaglia
#12 Kirsty Whitlock
#13 Matthew Cox
#14 Anastassia Elias
#15 Linda Gass
#16 Urban X Stitch
#17 Fabulous Cat
#18 İrem Yazıcı
#19 Olek

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Autora: Georgina Santos
Via: web personal de la artista

Portafolio de artista recomendado por Alejandra Pérez, colaboradora de México para Replicación de Arttextum

Nuestra colaboradora Ale Pérez realizó una recomendación para incluir el portafolio de la artista mexicana Georgina Santos, quien también participa en Arttextum.net desde 2013.

georgina-santos-arttextum

 

Nuestra colaboradora comentó lo siguiente al respecto del trabajo de Santos:

Si pudiera evocar imágenes mezcladas con aromas, creo que el quehacer de Georgina me evoca eso; me inspira su modo de construir a partir de la idea del viaje como referencia o punto para crear lazos a través del conocimiento, y la idea del “rescate” de nuestra cultura, de la noción que tengo como bello.

Imágenes cortesía de la artista.

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