San Raymundo Jalpan, Oax., 2 de marzo. La LXII Legislatura del Congreso Estatal, declaró como Patrimonio Cultural e Inmaterial de Oaxaca, los diseños, vestimentas o trajes regionales característicos de las comunidades de pueblos indígenas reconocidos en la Constitución del Estado, las artesanías que en ellas se producen, así como las lenguas habladas por dichas poblaciones.
De acuerdo al dictamen aprobado por mayoría, se establece que los pueblos y comunidades indígenas tienen derecho social a mantener, desarrollar, preservar y proteger sus propias identidades y los elementos que lo conforman. Adiciona también preservar sus tradiciones y costumbres a través de programas culturales y políticas públicas, para apoyar la conservación de textiles y diseño.
En dicho documento, se establece que esta acción permitirá la generación de mecanismos pertinentes en coordinación con los pueblos y comunidades para la protección de cada uno de los elementos.
El dictamen aprobado tiene como antecedente, iniciativas presentadas por las y los diputados Jaime Bolaños Cacho Guzmán, integrante de la Fracción Parlamentaria del Partido de la Revolución Democrática (PRD), Alejandro Martínez Ramírez del Partido Acción Nacional (PAN), Martha Alicia Escamilla León y María Lilia Arcelia Mendoza Cruz del Partido Revolucionario Institucional (PRI).
En la exposición de motivos, el dictamen refiere que la expresión “Patrimonio Cultural” ha cambiado en las últimas décadas; debido en parte a los instrumentos elaborados por la UNESCO. Refiere que el patrimonio cultural no se limita a monumentos, sino que comprende también tradiciones o expresiones vivas heredadas y transmitidas a las nuevas generaciones, como tradiciones orales, artes del espectáculo, actos festivos y saberes y técnicas vinculadas a la artesanía tradicional.
En los antecedentes que dieron origen a la declaratoria, se indica que en julio de 2015, una diseñadora francesa, presentó como propia una blusa tradicional de la comunidad de Santa María Tlahuitoltepec, Mixe, con ello se inició un juicio para defender los derechos de la prenda a través de una empresa que pretende obtener la patente del diseño tradicional y así comenzar la explotación comercial del bordado.
En este contexto, las Comisiones Permanentes Unidas de Asuntos Indígenas y de Cultura, propusieron generar un tratamiento prioritario en los programas de conservación, protección, investigación, catalogación, revaloración, difusión, intervención, custodia y rehabilitación de la riqueza cultural antes mencionada.
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For Cannupa Hanska Luger, the protests at Standing Rock are personal. The artist, who makes sculpture, video and installations, was born on the Standing Rock reservation in North Dakota, and he is an enrolled member of the Mandan, Hidatsa and Arikara Nation, whose territory is nearby. He is in possession of German and Norwegian blood too. “I am North Dakota,” he jokes.
Now based in New Mexico, where he was recently an artist in residence at the Institute of American Indian Arts, he has been traveling to his home state over the last nine months to support the encampment in opposition to the Dakota Access pipeline. Though many protesters left the site after the U.S. Army Corps of Engineers denied a permit for the pipeline in early December — and after a hard winter set in — the encampment is still active.
In this lightly edited telephone conversation, which took place late in December, he discusses what it’s been like to watch the protests evolve, why these have been so important to Native American culture and what inspired him to produce mirrored shields to help protect activists on the front lines.
What was it like to see Standing Rock develop into one of the major news events of 2016?
It’s been pretty interesting — even more so being from that region and growing up around there. When we were kids, we used to fish and dive off of those bridges that are now the front lines. That river is home. I go back every summer guaranteed. I’ve been up seven or eight times since this whole thing began.
My dad’s side of the family, they have a ranch in the Standing Rock reservation. My mom’s side is from Fort Berthold [reservation], which is where the current oil fields are. I watched that community get destroyed by the extraction of oil. I’ve seen wells poisoned. I’ve seen the cycles of boom and bust.
A lot of artists I’ve spoken with have described their journeys to the Standing Rock encampment as transformative.
It seems like everyone who has interacted with the space, there is something transformative that has happened there. The media’s general interest is in “struggle porn,” so people have missed what is beautiful about it.
When you first come through the gate — there is one entrance and one exit — they look through your car. They ask you if you have weapons or drugs. Then you are welcomed in, and they say, “Welcome home.” Your first interaction is being included, which is not something that people are used to in this country. This is an exclusive country. It’s all about fences and borders.
You set up camp and someone gives you firewood. The whole thing of guarding your stuff goes away. It’s so much easier to share things. Culturally we have a practice called “seven generations.” As you walk through the world, you are not yourself. You are not a singularity. You are not an American individualist bootstrapping bull …. You are only borrowing this place from children you will never meet. And the only reason you have an opportunity to do that is because elders took care of it for you.
Everybody came in hoping to experience something new, something profound. But when they got there, they realized they’re not a part of something new, they’ve just been absorbed into something that is much older than the entire country. That’s incredibly humbling.
What do you think Standing Rock has done for society’s understanding of indigenous culture and issues?
The big difference is that I think [people have] had the opportunity to encounter us not as a mystic, romantic other. It’s just like, “Dude, we’re just human beings.” What does “Lakota” mean in English? It literally means “the people.”
This is why we say this is not a protest, why we are water protectors. We’re not just in protest of a pipeline. What we are trying to do is maintain a cultural practice. This is our culture. It’s a part of our society.
Our original bible, that comes down from on high, it is the land. We have an oral tradition and we tell stories about magical characters that are bound to the landscape, that are bound to geology. Why is that stone red? There is a story. So where everyone else sees a pipeline and “progress,” what we see is someone going through our bible and editing things without any care, ripping a line straight through that story.
The media’s general interest is in ‘struggle porn,’ so people have missed what is beautiful about it.— Artist Cannupa Hanska Luger on the Standing Rock protests
The battle for the pipeline isn’t over, but having the Army Corps of Engineers deny the permit certainly stands as an important victory.
The amazing thing is that whether you were Native or not, what we witnessed up there is the awakening of a giant that has been sleeping. It’s the power of us as living things — rather than us waiting for somebody to save us. It was so grass roots.
Native people have never been subject to that amount of solidarity. It left everybody awestruck. And the number of Native people coming together, nothing like this has been seen since the 19th century. Enemies that had previously been enemies, coming together — there’s no way for me to describe to you what that means. It’s far too profound.
You made a series of mirrored shields that you distributed to people on the front lines. How did that come about?
I was inspired by these activists in the Ukraine. These women — old women and children — and they came out and carried mirrors from their bathrooms and into the street to show these riot policemen what they looked like. From the photos I saw, it seemed profoundly effective. I wanted to bring that same level of recognition to the front lines there.
But Standing Rock is in the middle of nowhere. I didn’t want people to bring mirrors to the front line and get hit with batons and cause more damage than good. So what we needed was a mirrored shield. So I came up with a simple, easy and cheap design to make these mirrored shields using vinyl and Masonite — materials you can find in any hardware store. From one sheet of Masonite, you could make six shields.
I started making them after that Sunday that they were hitting people with hoses. I personally made close to 100 of them. But then another group out of Minneapolis made 500. I have no idea how many are in circulation. But I keep seeing them here and there.
What role do you think artists can have in protest?
Being an artist, it is a way to weaponize privilege. I could have been on the front line a dozen times, but my wife said, “You are one person there; you are 10,000 here — where you can engage all of these resources.”
I did a mural at the Center for Civil and Human Rights [in Atlanta] about these issues because I had the opportunity. And if I don’t utilize every amount of privilege for a cause that’s worthwhile, then what is the point? If I am not for you, then who am I for?Artists, we live on the periphery. But we are the mirrors. We are the reflective points that break through a barrier. You don’t have to be in the same economic place that I am to relate to the work that I make. That is the power of art.
We are not rich people. But we are incredibly wealthy. We have ideas.
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Related Arttextum artists:
Alejandra PrietoJuan Carlos LeónEdith López Ovalle
Imagen recomendada por Cindy Elizondo, colaboradora de Costa Rica para Replicación de Arttextum
Nuestra colaboradora Cindy Elizondo nos ha compartido esta fotografía de este gran fotógrafo costarricense. Sigue al autor en Instagram (@jdpc03) y descubre más.
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Meet Zain Younus—Pakistani refugee and dedicated Michael Jackson fan. In this touching story from Joshua Seftel of Smartypants, watch Zain transform into a “new American boy” as he performs his idol’s dance moves in the school talent show.
Due to escalating violence in his home country, Zain was granted asylum in the United States and has settled in New York City with his family. Eager to adjust to life in America, the 13-year-old and his siblings are attending a “refugee summer camp” that will help them improve their English language skills.
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Magazine recommended by Sandra Gael from México, collaborator for Arttextum’s Replicación
Artforum is an international monthly magazine specializing in contemporary art. Artforum was founded in 1962 in San Francisco by John P. Irwin, Jr. The next publisher/owner Charles Cowles moved the magazine to Los Angeles in 1965 before finally settling it in New York City in 1967, where it maintains offices today. The move to New York also encompassed a shift in the style of work championed by the magazine, moving away from California style art to Late modernism, then the leading style of art in New York City. The departure of Philip Leider as editor-in-chief in 1971; and the tenure of John Coplans as the new editor-in-chief roughly coincided with a shift towards more fashionable trends and away from Late modernism. A focus on Minimal Art, Conceptual Art, Body art, Land art and Performance art provided a platform for artists such as Robert Smithson, Donald Judd, Sol LeWitt and others. In 1980 after opening his own gallery in New York City Charles Cowles divested himself of the magazine.
Film-Flip book, 1970. Courtesy of Angie Fischinger
In the world of design, Fischinger is a towering figure, especially in the areas of motion graphics and animation. He is best known for his ability to combine impeccably synchronized abstract visuals with musical accompaniment, each frame carefully drawn or photographed by hand. A master of motion and color, Fischinger spent months — sometimes years — planning and handcrafting his animations.
Outward Movement, 1948. Favorite painting of Angie Fischinger, Oskars youngest child. Courtesy of Angie Fischinger
Although mostly known for his films, Fischinger was also a prolific painter, creating numerous works that capture the dramatic movement and feeling of his films within a single frame. Unsatisfied with traditional media, he also invented a contraption, the Lumigraph, for generating fantastic chromatic displays with hand movements — a sort of optical painting in motion and a precursor to the interactive media and multi-touch games of today.
Even with the advanced technology that now exists, emulating Fischinger’s work is an impossible task. His colors and motion are so carefully planned yet naturally playful, his timing so precise yet human. So today’s Doodle aims to pay homage to him, while allowing you to compose your own visual music. I hope it inspires you to seek out the magic of Fischinger for yourself.
— Leon Hong, Creative Lead
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Special thanks to Angie Fischinger, Oskar’s youngest child, who played an integral role in making this project possible. Below, she shares some thoughts about her father’s work and life:
My parents were German immigrants. They were forced to leave Germany in 1936 when it became clear that my father could not pursue his work as a filmmaker there (avant-garde was considered degenerate by Hitler and his administration). But many people who had already seen his films recognized his greatness. He received an offer to work at MGM and stayed in Hollywood after the war.
My father was incredibly dedicated to his art — some even called him stubborn. His passion and honesty were part of his brilliance, but they could also make him a bit difficult to work with. Sometimes our family struggled financially as a result, so everybody pitched in — the kids got paper routes or did babysitting. We were raised in a healthy, hard-working environment. We were happy, intellectually stimulated, and dedicated to education. Thanks to my family’s support and encouragement, I graduated from San Jose State and taught in the public school system for 30 years.
I feel incredibly proud of my family and am delighted to be the daughter of Oskar and Elfriede Fischinger. It means so much to me to see this celebration of my father’s art. It’s wonderful to know that his work, which has been steadily praised since the 1920s, will continue to receive worldwide recognition.
Production
Leon HongCreative Lead
Kris HomEngineer
Brian MurrayEngineer
My-Linh LeProducer & Proj Manager
Doodle Support
Perla CamposMarketing & Proj Support
Marci WindsheimerBlog Editor
Preset Composers
Local Natives
Nick Zammuto
TOKiMONSTA
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Artículo escrito por Fabián Muhlia, colaborador de México para Replicación de Arttextum
Podría comenzar el escrito con descripciones didácticas y aburridas, pero mi propósito es resaltar lo emocional y humano de la obra de Andy Warhol en la exposición Estrella Oscura, curada por Douglas Fogle y que actualmente se expone en el Museo Jumex, ubicado en Miguel de Cervantes Saavedra en la colonia Granada de la Ciudad de México.
Si hay un miedo que persigue y atormenta al ser humano, es la certeza de que la muerte llegará algún día, muchas veces de la forma menos esperada. Si a este miedo le sumamos elvivir en función de lo que el mundo capitalista tiene establecido, nos da como resultado una gran crisis existencial, en donde todo tiene que ser ahora: la fama y el éxito deben llegar rápido.
Andy Warhol Cow Wallpaper (Pink on Yellow) [Papel tapiz con motivo de vaca (Rosa sobre amarillo)], 1966, (reimpresión 1994) Serigrafía sobre papel tapiz Rollo (cada uno): 457.2 x 71.1 cm Imagen (cada una): 116.8 x 71.1 cm The Andy Warhol Museum, Pittsburgh
Menciono lo anterior para abordar la serie de accidentes y suicidios que inspiraron a Warhol para su serie de “desastres” la cual le sirvió de medio para anunciar la muerte del movimiento de expresionismo abstracto, liderado por Jackson Pollock. Es una metáfora muy bien lograda , en donde muestra lo real y lo popular en la cultura y desafía lo establecido en el mercado del arte de aquel tiempo.
Caminar por las salas de exposición y contemplar la belleza de “Orange Disaster #5” en donde Warhol multiplica por 15 la imagen de una silla eléctrica, es maravilloso.
El artista acentuó en dicha obra lo tétrico de la pena de muerte en Estados Unidos, manipuló la imagen como los grandes maestros, transformando algo horroroso en algo estético. Implícitamente la obra nos señala a los verdugos y a los condenados: la obra es de una teatralidad increíble. Algo que ayuda al impacto de la misma es su gran formato.
A lo largo de su producción, Warhol nos habla de una sociedad de consumo y de la gran soledad a la que están sujetos los artistas pertenecientes a Hollywood, para este selecto grupo las puertas se abren hacia un camino donde todo es fácil, instantáneo y grandilocuente, pero también muy cruel.
Los retratos de Marilyn Monroe, Jackie Kennedy, Elvis Presley y Mao (este último en un formato monumental) nos muestran una realidad más accesible, libre de exageración y apasionamiento por parte de los narradores de la historia. Warhol nos brinda seres coloridos, popularesy alcanzables por las masas.
Andy Warhol Jackie (sonriendo), 1964 Pintura de polímero sintético y serigrafía sobre tela 50.8 x 40.6 cm La Colección Jumex, México
La genialidad de la concepción de sus obras se ve empatada por la ejecución impecable de las mismas, ya sean instalaciones, serigrafías y técnicas mixtas.
Los invito a ver esta exposición más allá de los retratos, a concentrase en la parte oscura de la fama, en la trampa consumista en la que caemos día a día y que nos hace olvidarnos de las cosas que realmente importan.
Es alentador que se presente una exposición tan completa de Andy Warhol en nuestro país, con un costo muy accesible y con una excelente museografía. A todo esto, hay que añadirle la belleza del museo, diseñado por el arquitecto inglés David Chipperfield.
No puedo dejar de mencionar que resulta irónico, pero también muy divertido, el que no se puedan tomar fotos de la exposición, ya que en nuestro tiempo, los medios nos presionan para compartir nuestra vida en tiempo real, ya sea por medio de selfies o por las diferentes plataformas y redes sociales.
La exposición estará hasta el 17 de septiembre de 2017.
Imágenes amablemente facilitadas al autor por Andrea Gil -Museo Jumex.
Imagen de portada: Andy Warhol, Self-Portrait [Autorretrato], 1964, Acrílico, pintura metálica y tinta de serigrafía sobre lino 51.1x41cm, The Andy Warhol Museum, Pittsburgh; Founding Collection, Contribution Dia Center for the Arts.
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Recuentos es un proyecto comisariado por Isabela Villanueva para la galería Espacio Mínimo con obras en formato videográfico de Edgardo Aragón, Marilá Dardot, Claudia Joskowicz y Enrique Ramírez, artistas que exploran distintas maneras de representar acontecimientos, buscan nuevas perspectivas para capturar la memoria social y personal y examinan hechos históricos y sus repercusiones en el entorno físico y simbólico que los rodea. Los une el interés por el proceso reflexivo, pues más que visitar los hechos del pasado y presentar alegorías, les interesa generar correspondencias y analogías con los problemas del presente.
En su documental MatamorosEdgardo Aragón (México) utiliza el formato de “road movie” para recrear los viajes que Pedro Vásquez Reyes realizó múltiples veces desde Oaxaca, en el sur de México, a Tamaulipas, en la frontera norte del país, para traficar drogas a Estados Unidos a finales de los años ochenta. Pero, más que abordar el problema del narcotráfico, o presentar la introspección del protagonista, este video es una reflexión sobre el paisaje mexicano. Matamoros plantea un cuestionamiento sobre la construcción de la memoria, pues lo que se nos presenta son construcciones o visiones y no una realidad fidedigna.
Diário, de la brasileña Marilá Dardot, presenta a la artista escribiendo con agua titulares de prensa impactantes en un muro de concreto, de modo que en instantes éstos se disuelven. Filmado en enero del 2015, el primer titular que aparece es el atentado terrorista de Charlie Hebdo en Francia, y justamente el último narra otro atentado en una mezquita en Pakistán. El video no sólo es un comentario sobre lo efímero de las noticias, sino que además recalca el carácter cíclico de los acontecimientos mundiales y demuestra cómo la historia es una colección de hechos irremediablemente repetitivos y simultáneos.
La instalación de video Sympathy for the Devil, de la boliviana Claudia Joskowicz, recrea un encuentro entre dos vecinos de La Paz, Bolivia: un refugiado judío polaco que emigró a Sudamérica durante la Segunda Guerra Mundial, y el ex nazi Klaus Barbie, que entonces vivía en Bolivia bajo un pseudónimo. Durante la década de 1970, ambos hombres vivían vidas paralelas como vecinos, mutuamente conscientes de la existencia del otro y encontrándose diariamente en el ascensor. Los videos, filmados por Joskowicz con magistrales tomas largas, se dedican a cuestionar la historia y sus repercusiones en el paisaje físico y simbólico. La obra también aborda la forma en que la tecnología media y redefine la memoria, la realidad y los hechos históricos.
Por último, el filme Pacífico, de Enrique Ramírez (Chile), nos presenta a un mar brusco, impredecible e imponente. El artista utiliza el océano como una alegoría de la historia social y política de América Latina, pero en particular de Chile. Ramírez se está refiriendo específicamente a la Operación Cóndor: la alianza militar y política entre las diversas dictaduras instaladas entre los años 70 y 80 en los países sudamericanos, y a sus prácticas de lanzar cadáveres de prisioneros políticos al mar para hacerlos desaparecer sin rastro para siempre. Para el artista el océano es una metáfora de la carga emotiva de un pasado que no debe ser olvidado.
Estos cuatro artistas, de distintas generaciones y proveniente de distintos países, invocan nuevas formas de representar las memorias y los acontecimientos vividos en un mundo marcado por procesos políticos turbulentos. A través de distintas metodologías Aragón, Dardot, Joskowicz y Ramírez intentan hablar del pasado para llenarlo de nuevas sensaciones que recodifican todos sus significados.
RECUENTOS. EDGARDO ARAGÓN, MARILÁ DARDOT, CLAUDIA JOSKOWICZ Y ENRIQUE RAMÍREZ
Un proyecto de Isabela Villanueva
Galería Espacio Mínimo, Madrid
Del 25 de marzo al 20 de mayo de 2017.
Imagen de portada tomada de Artishock, autora Marilá Dardot.
Im.
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Get your daily inspiration from Arttextum’s artist Rossana Martínez, an active and extremely enthusiastic woman who has a lot to share. Here is a quote from her website:
I started mine more than ten years ago when I got tired of feeling tired all the time. “Tired of tired” is what motivated me to try.
To be clear, this is not a five or ten year plan. This is not a diet or training for a race. This is not for a specific age. This is the marathon of life. The action of taking time to simply try is the way to get there. And with a clear understanding that we, individually, will shape that healthy lifestyle.
El arquitecto croata Nikola Bašić creó un impresionante órgano marino que traduce las olas del mar en una relajante música.
‘Morse Orgulje’, lo que se puede traducir como ‘órgano majestuoso’, fue diseñado por este arquitecto en 2005. Es la estrella indiscutible de la ciudad de Zadar en Croacia. Un espectáculo increíble. Los canales de este órgano conectan 35 tubos, cada uno conectado a su vez a diferentes cadenas musicales. Así obtiene de forma natural los sonidos. Las notas que desprende son puramente aleatorias, dependen de como las olas imparten contra el órgano.
Con este diseño, el arquitecto croata ganó el premio ex aequo de la cuarta edición del Premio Europeo del Espacio Público Urbano.
Inspirado en un pequeño instrumento griego de nombre hydraulis, y con el antecedente de la creación del Wave Organ en la ciudad de San Francisco en 1986, este órgano de mar posee 70 metros de largo, fabricado en su totalidad de hormigón y con unos escalones en mármol.
Sus 35 tubos generan de forma precisa una nota distinta provocada con el movimiento de las olas y la energía del viento. Cada tubo atraviesa la estructura y hace contacto con el mar Adriático, mientras que en la parte de arriba veremos pequeños orificios, que en conjunto crean una melodía sorprendente e ideal para perder la vista en el horizonte, o simplemente un placer para nuestros sentidos.
Aquí puedes ver y oir este impresionante instrumento-escultura:
y sí sólo quieres oír su sonido…
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Autora: Alícia Ninou
Vía YouTube | Diciembre 27, 2014
Entrevista recomendada por Andrea López Tyrer, colaboradora de Chile/España para Replicación de Arttextum
Entrevista de Alicia Ninou a Eva Julián, música, compositora y sonidista especializada en Bioacústica y en la aplicación terapéutica de sonido natural. Desde 1985 investiga sobre la incidencia del sonido en los seres vivos, realizando grabaciones por variados lugares naturales del planeta, diseña y personaliza ambientes sonoros terapéuticos para hospitales, centros médicos especializados, para personas en procesos vitales y para colectivos con necesidades especificas.
Sonidoyvida es el resultado de más de 27 años de investigación en bioacústica y en la comprobación de las propiedades terapéuticas y sagradas que poseen los sonidos que emite la tierra y todos los seres de la naturaleza. Eva Julián ha observado que estos sonidos son capaces de mantener el equilibrio vital de los seres vivos y reconducirlos a un estado de conciencia en armonía con la tierra y con el cosmos.
Articolo raccomandato da Javier Armas Cortez, collaboratore di Messico per Replicación di Arttextum
La Lanterna di Genova
Simbolo della città di Genova, sita sul promontorio di Capo di Faro la Lanterna, con i suoi 77 metri di altezza, è il faro più alto del Mediterraneo, secondo in Europa. L’attuale costruzione risale al 1543, ma fin dal XII secolo esisteva una torre di struttura simile, nata come torre di guardia per annunciare l’arrivo di imbarcazioni sospette e divenuta nel tempo anche faro, sulla cui sommità si bruciavano fascine per segnalare ai naviganti l’accesso al porto. Nel 1326 vi si installò la prima lanterna ad olio di oliva, la cui luce era concentrata in un fascio grazie a cristalli trasparenti prodotti da maestri vetrai liguri e veneziani. La rappresentazione probabilmente più antica di questa prima Lanterna risale al 1371 e compare sulla copertina di un registro dell’autorità marittima del tempo. Nel Quattrocento la torre fu adibita a prigione e custodì, tra gli altri, il re di Cipro. Agli inizi del Cinquecento fu edificata la fortezza della Briglia, voluta da Luigi XII per le truppe che presidiavano la città: i genovesi, insorti contro i francesi, la bombardarono, danneggiando anche la Lanterna, ridotta a “mezza torre”. Nel 1543 essa venne ricostruita e le antiche merlature furono sostituite. Da allora la Lanterna superò senza gravi conseguenze il bombardamento navale del Re Sole alla fine del Seicento, i combattimenti del 1746 dopo la rivolta di Portoria, i bombardamenti della seconda guerra mondiale, nonché innumerevoli momenti di intemperie naturali (fino a quando, nel 1778, non fu dotata di impianto parafulmine). In tempi più recenti la potenza del faro aumentò notevolmente, sia per l’introduzione di più moderni sistemi ottici (data 1840 il sistema rotante con lenti di Fresnel), sia per l’introduzione di nuovi combustibili: il gas di acetilene (1898), poi il petrolio pressurizzato (1905), fino all’elettrificazione del 1936.
La Storia della torre dal 1128 ad oggi
Secondo alcune fonti non ufficiali, nel 1128 venne edificata la prima torre, alta poco meno dell’esistente, con una struttura architettonica simile all’attuale, ma con tre tronchi merlati sovrapposti. Alla sua sommità venivano accesi, allo scopo di segnalare le navi in avvicinamento, fasci di steli secchi di erica (“brugo”) o di ginestra (“brusca”). I documenti del secolo XI, le prime cronache e gli atti ufficiali del nascente comune genovese forniscono dati sicuri sulla torre di segnalazione, ma non la sua data esatta di costruzione. Nel 1318, durante la guerra tra Guelfi e Ghibellini la torre subì rilevanti danni alle fondamenta ad opera della fazione ghibellina; nel 1321 vennero effettuati lavori di consolidamento e venne scavato un fossato allo scopo di renderla meglio difendibile. La prima lanterna venne installata nel 1326; la lucerna era alimentata ad olio di oliva ed in merito l’annalista Giorgio Stella scriveva: “In quest’anno fu fatta una grande lanterna sulla torre di Capo Faro affinché con le lampade in essa accese, nelle notti oscure, i naviganti conoscessero l’adito alla nostra città”. Al meglio identificare la lanterna con la città, nel 1340 venne dipinto alla sommità della torre inferiore lo stemma del comune di Genova opera del pittore Evangelista di Milano.La più antica rappresentazione iconografica della prima torre della lanterna è del 1371 ed appare in un disegno a penna sopra una copertina pergamenacea di un manuale dei “Salvatori del Porto”, dove venivano fra l’altro registrate tutte le spese per la illuminazione, per i cristalli della lanterna, per le lampade, per l’olio, e le nomine dei guardiani.Nell’assedio alla Briglia – forte fatto costruire dal re Luigi XII durante la dominazione francese su Genova, ubicato sullo stesso colle dove sorgeva la torre del faro – la torre venne centrata dai colpi di bombarda sparati dagli insorti genovesi e parzialmente demolita. Per trenta anni la bella torre rimase monca e la sua brillante luce non fu più di aiuto ai naviganti.Solo nel 1543 venne ricostruita e fu posta in opera alla sua sommità una nuova lanterna costruita con doghe di legno di rovere e ricoperta con fogli di rame e di piombo fermati con ben seicento chiodi di rame. Fu quella occasione che la torre assunse il suo aspetto definitivo che ancora oggi vediamo. Nel 1565 si ritornò a lavorare sulla cupola per renderla stagna e nel 1681 si ricostruì la cupola con legno di castagno selvatico calafatando il tutto con pesce e stoppa e ricoprendola con fogli di piombo stagnati ai bordi sovrapposti. Nel 1684 durante i bombardamento di Genova ordinato dall’Ammiraglio francese Seignelai per ordine di re Luigi XIV, un colpo centrò la cupola distruggendone l’intera vetrata, che venne provvisoriamente ricostruita; nel 1692, la vetrata venne modifica aggiungendovi un nuovo ordine di vetri. Nel Portolano manoscritto del XVI secolo di autore anonimo si legge “a miglia 14 da Peggi (Genova Pegli) città con buonissimo porto e alla parte di ponente, vi è una lanterna altissima e dà segni alli vascelli che vengono a piè di detta lanterna”. A seguito dei ripetuti danni causati dai fulmini e dagli avvenimenti bellici nel 1771 la torre venne incatenata a mezzo di chiavarde e di tiranti che ancora oggi sono visibili all’interno. Nel 1778 venne dotata di impianto parafulmine che fu realizzato dal fisico P.G.Sanxais e nel 1791 vennero effettuati alla base della prima torre, lavori di consolidamento per renderla più stabile.
Article recommended by Mariana Chávez Berrón from the Mexico, collaborator of Arttextum’s Replicación
NOWNESS is a movement for creative excellence in storytelling celebrating the extraordinary of every day. Launched in 2010, NOWNESS’ unique programming strategy has established it as the go to source of inspiration and influence across art, design, fashion, beauty, music, food, and travel. Our curatorial expertise and award-winning approach to storytelling is unparalleled. We work with exceptional talent, and both established and emerging filmmakers which connect our audience to emotional and sensorial stories designed to provoke inspiration and debate.
NOWNESS launched a Chinese-language site in 2012 and since 2013 videos are available in up to 10 languages including English, Chinese, French, German, Italian, Japanese, Korean, Portuguese, Spanish and Russian (just turn on Subtitles on our player).
Author: Danny Dorling Via YouTube| December 21, 2016
The vastness of space is almost too mind-boggling for the human brain to comprehend. In order to accurately illustrate our place in the universe, one group of friends decided to build the first scale model of the solar system in seven miles of empty desert. Watch a beautiful representation of our universe come together in light and space in this extraordinary short film.
What does the world look like when you map it using data? Social geographer Danny Dorling invites us to see the world anew, with his captivating and insightful maps that show Earth as it truly is — a connected, ever-changing and fascinating place in which we all belong. You’ll never look at a map the same way again.
TEDTalks is a daily video podcast of the best talks and performances from the TED Conference, where the world’s leading thinkers and doers give the talk of their lives in 18 minutes (or less). Look for talks on Technology, Entertainment and Design — plus science, business, global issues, the arts and much more.
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Image: Benjamin Henning
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Article recommended by Mick Lorusso from the USA / Italy, collaborator of Arttextum’s Replicación
Contemporary artist Rachel Sussman is mending cracks in our urban environment with her series Sidewalk Kintsukuroi. Inspired by kintsugi—also known as kintsukuroi—the Japanese art of repairing broken pottery with gold, Sussman brings this philosophy to city pavements.
Sussman was already attracted to the Japanese aesthetic philosophy of wabi-sabi when an image of repaired broken pottery sparked her imagination. As chance would have it, she discovered the photograph of kintsugi around the time when her book The Oldest Living Things in the World was being published.
“Study for Sidewalk Kintsukuroi #01 (New Haven, Connecticut),” photograph with enamel paint and metallic dust
After spending 10 years photographing ancient organisms for that project, it was a natural next step to play with the idea of repairing what is broken. A new installation and studies from Sidewalk Kintsukuroi are currently part of the Alchemy: Transformations in Gold exhibition at the Des Moines Art Center.
Sussman repaired a crack in the center’s marble floor, an installation which is now part of the museum’s permanent collection. Also on display are study photographs, where the streets of New York City have their fissures filled with gold dust.
Study for Sidewalk Kintsukuroi #02 (MASS MoCA),” photograph with enamel paint and metallic dust
Whether permanent or theoretical, Sussman’s work falls in line with kintsugi philosophy. “Cracks represent something in need of attention, and the surfaces we walk, bike, and drive over are usually overlooked until they’re in truly critical condition,” the artist explains. “By gilding them, it’s a way to see what’s around us with fresh eyes and to celebrate perseverance.”
All images: Rachel Sussman.
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Video recommended by Andrea López Tyrer from Chile/Spain, collaborator of Arttextum’s Replicación
The Four Seasons (Italian: Le quattro stagioni) is a group of four violin concerti by Italian composer Antonio Vivaldi, each of which gives a musical expression to a season of the year. They were written about 1723 and were published in 1725 in Amsterdam, together with eight additional violin concerti, as Il cimento dell’armonia e dell’inventione (“The Contest Between Harmony and Invention”).
The Four Seasons is the best known of Vivaldi’s works. Unusually for the time, Vivaldi published the concerti with accompanying poems (possibly written by Vivaldi himself) that elucidated what it was about those seasons that his music was intended to evoke. It provides one of the earliest and most-detailed examples of what was later called program music—music with a narrative element.
Vivaldi took great pains to relate his music to the texts of the poems, translating the poetic lines themselves directly into the music on the page. In the middle section of the Spring concerto, where the goatherd sleeps, his barking dog can be marked in the viola section. Other natural occurrences are similarly evoked. Vivaldi separated each concerto into three movements, fast-slow-fast, and likewise each linked sonnet into three sections.
B&B project – Ukrainian musicians who popularizing national instruments – bayan and bandura. On YouTube this music group gathered about 3 million views. Experiments with music, modern style, quality performance it is the basic direction of the musicians.
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Artículo recomendado por Karla Castillo, colaboradora de México para Replicación de Arttextum
Las ilustraciones de Proporción Áurea dibujadas a mano por Rafael Araujo son una hermosa fusión del arte con la ciencia. Durante los últimos 40 años, el arquitecto e ilustrador venezolano ha estado perfeccionando sus sorprendentes dibujos, todos conectados por ese hilo conductor.
Armado de lápiz, compás, regla, transportador de ángulos y nada más, crea dibujos que representan la brillantez matemática del mundo natural y recientemente ha comenzado a recopilar versiones de sus mejores trabajos en un libro de colorear para adultos que busca el reencuentro de los seres humanos con la naturaleza.
Las ilustraciones de Araujo giran en torno a los inteligentes patrones de crecimiento gobernados por la Proporción Áurea. Este número especial, comúnmente anotado con la letra griega Phi (φ), es igual a 1,618 y se puede observar en todo tipo de espirales naturales, secuencias y proporciones.
“Phyllotaxis” es como se denomina la tendencia de las cosas orgánicas a crecer en patrones en espiral y este patrón numérico se repite tan a menudo en la naturaleza que algunos investigadores lo han considerado una norma universal de perfección de estructuras, formas y proporciones.
Desde conchas de mar, hojas, cristales, e incluso alas de mariposa, podemos rastrear el número Phi a lo largo de nuestro entorno, una y otra vez.
Aplicar la Proporción Áurea a sus dibujos y dejar las líneas de construcción en las imágenes finales, permite a Araujo crear diseños que claramente gravitan alrededor de este marco matemático. Cada composición es cuidadosamente detallada y puede llevar hasta 100 horas al artista completar una sola de ellas.
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Artículo recomendado por Cindy Elizondo, colaboradora de Costa Rica para Replicación de Arttextum
Tenemos una imagen del artista. Y es una imagen de la que es difícil escapar, muy formada, fija, casi cincelada en mármol: el artista es una persona solitaria y ensimismada en su investigación y su trabajo. Una persona con un talento especial, un don recibido por los hados o las musas y que manifiesta desde la infancia más temprana. Alguien destinado, predestinado al arte.
¿Pues saben una cosa? Esa imagen es más falsa que un Velázquez comprado en el Retiro. Sí, es cierto que un creador puede tener aptitudes más o menos naturales. Una sensibilidad más enfocada o una predisposición a observar e interpretar el mundo, pero lo más probable es que no tenga nada que ver con infusiones divinas, sino con la educación, lo familiar o lo ambiental. Incluso algo tan intangible, tan aparentemente hermético como el genio, también se puede aprender. Y enseñar.
El propio Diego Velázquez no emergió de una marmita de gracia artística. Su talento ya se apreciaba en la infancia, sí, pero nunca como un encapsulado prodigio. A Velázquez le enseñaron. Le enseñaron el «arte bien y cumplidamente según como vos lo sabéis sin encubrir de él cosa alguna.» Así rezaba parte del contrato que su padre, Juan Rodríguez de Silva, firmó con el pintor sevillano Francisco Pacheco. Diego tenía once años y aprendió, ya lo creo que aprendió. Aprendió a moler los colores, a decantar los barnices y a tensar los lienzos. Y aprendió a dibujar, porque Pacheco, que más tarde se convertiría en su suegro, no era un gran pintor pero era un excelente dibujante a lápiz y a carbón. Velázquez aprendió a delimitar contornos, a usar las sombras y a generar expresiones. En cien estudios y retratos, Diego aprendió todo lo que pudo, todo lo que Pacheco sabía sin ocultarle ninguna cosa. Y cuando ya no tuvo más que aprender, aprendió a buscar su propio camino. Aprendió a ir más allá. Aprendió a pintar lo que no existía en el lienzo ni en la figura. Lo que había en el medio. Aprendió a pintar el aire.
Sueño de San José, Francisco Pacheco, 1617 y Adoración de los Magos, Diego Velázquez, 1619.
La arquitectura es la disciplina artística menos artística de todas, sobre todo desde la eclosión del Movimiento Moderno a principios del siglo XX. La arquitectura siempre responde a un programa y a una función porque siempre debe cumplir la función y el programa para los que ha sido concebida. Y además debe ser sólida, consistente y resistente; literalmente, no como característica conceptual. Los edificios tienen que mantenerse en pie. La arquitectura es el arte más profesional de todos porque debe cumplir la utilitas y la firmitas vitruvianas. Pero, ¿y la venustas? ¿Y la belleza? ¿Se puede enseñar la belleza arquitectónica?
Eduardo Souto de Moura nació en Oporto en 1959. Su padre, José Alberto, era cirujano oftalmólogo y de él aprendió la exactitud y la precisión. De su madre, Maria Teresa Ramos, aprendió la dedicación y el trabajo constante. Maria Teresa era ama de casa. Souto de Moura estudió en la Escola Superior de Belas Artes de Porto antes de que se convirtiese en Facultad de Arquitectura. La arquitectura era una de las bellas artes y allí aprendió a que sus edificios fuesen útiles, fuesen firmes y también a que fuesen bellos. Aunque aún no tenía del todo claro dónde estaba la belleza en la arquitectura. Aún sin terminar la carrera, trabajó durante cinco años en el estudio de Álvaro Siza Vieira, el gran maestro de la arquitectura portuguesa. De Siza aprendió el respeto por el contexto, por el lugar y por el tiempo. Aprendió que los edificios pertenecían a una tradición material e incluso simbólica, a veces transnacional y a veces vernácula. Allí comprendió que la belleza de la arquitectura no se podía aislar, sino que se conformaba por un agregado poliédrico de múltiples características interconectadas e interrelacionadas. Que todo contribuía a generarla. La belleza era imposible sin exactitud y precisión, sin dedicación y trabajo continuo, sin utilidad y resistencia, sin comprensión del tiempo, el lugar y el mundo. Quizá nunca supere a su maestro, pero de él también aprendió a volar libre, porque fue el propio Siza quien insistió una y otra vez en que abriese su propio despacho. Y así lo hizo en 1980, al poco de licenciarse. Eduardo Souto de Moura fue galardonado con el Premio Pritzker en 2011. Álvaro Siza lo había recibido en 1992.
A veces, el aprendizaje no es vernáculo sino exterior. Y eso pasa en cualquier disciplina, también en el arte.
Cristina Iglesias comenzó la carrera de Ciencias Químicas pero la abandonó enseguida para estudiar arte. Seguramente algo tendría que ver con la pequeña nube noosférica que sobrevolaba su familia y que hizo que todos los hermanos —los cinco— acabasen dedicados a profesiones creativas: desde el compositor Alberto hasta la escritora y guionista Lourdes. Cuando ya había cumplido veinte años, Cristina abandonó su Donostia natal para aprender dibujo y cerámica en Barcelona. Allí descubrió la escultura y el barro: «Me interesaba ese material moldeable al que podía añadir color.» Pero Iglesias quería buscar nuevos lenguajes que no podía encontrar en Barcelona. Así que, en 1980, se marchó a Londres, a la Chelsea School of Art. En la capital británica todo era distinto, era más abierto, menos atado al clasicismo o al academicismo. Surgía la new british sculpture y surgían figuras como Tony Cragg, Richard Wentworth o Anish Kapoor.
Cloud Gate de Anish Kapoor, instalada en Chicago en 2004 y las puertas de la ampliación Museo del Prado de Madrid, obra de Cristina Iglesias de 2007. Fotografías: Steve Wright Jr. y Jacinta Lluch Valero (CC)
Cristina Iglesias aprendió de todos ellos. De Kragg aprendió la articulación sinuosa, de Wentworth aprendió la yuxtaposición de materiales y elementos que no suelen estar juntos, de Kapoor aprendió la distorsionada reflexión de la luz. Y no les hizo caso a ninguno de ellos. Por eso, cuando recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1999, nadie pudo encontrar influencias directas en sus superficies rugosas y matéricas o en sus intrincadas celosías. Porque Iglesias siempre quiso trabajar en el lateral de la corriente. Y quizá fue ese su mayor aprendizaje: que la verdadera enseñanza reside en el pensamiento, no en la imitación.
Y también hay casos en los que no se aprende de maestros y ni siquiera de colegas de disciplina; se aprende de coetáneos y de amigos. Se aprende de un ambiente generacional. Y todos aprenden de todos.
Cuando llegó a Madrid a los dieciocho años, Pedro Almodóvar no llevaba una maleta de cartón, sino el maletín de maquillaje de Patty Diphusa. En La Mancha de su infancia había aprendido que no quería saber nada de La Mancha ni de su infancia, que no quería saber nada del mundo en el que había crecido. Quería un mundo distinto y quería contarlo en una pantalla y, aunque no pudo matricularse en la escuela de cine, le dio igual porque aprendería de todo lo demás. Y todo lo demás era, literalmente, todo. Almodóvar aprendió del aire nuevo y de las calles nuevas. Aprendió del porno, de la cultura y de la contracultura. De El Víbora y de Diario 16. Aprendió de Félix Rotaeta y de Carmen Maura y de Ana Curra y de Alaska y de Carlos Berlanga y de Fabio McNamara y de Alberto García-Alix. Todos amigos y todos coetáneos. Todos movidos en la Movida. Y todos aprendieron de él. Todos aprendieron a mearse delante de la cámara, a estar al borde de un ataque de nervios, a disfrutar de las grandes gangas y a mirarse el lado femenino.
Y todos se enseñaron y todos aprendieron a crecer y a entender el pasado. A entender que Madrid les pertenecía como les pertenecía México, León, El Escorial o Calzada de Calatrava. Y Almodóvar siguió aprendiendo, entre Óscars, Goyas, Césars, BAFTAs y Davides de Donatello. Entre el Premio Nacional de Cinematografía y el Premio Príncipe de Asturias aprendió incluso a Volver. También aprendió de Russ Meyer, de John Waters o de David Lynch, como lo había hecho de Fernando Colomo y de Alfonso Marsillach. Y ellos aprendieron de Almodóvar. Hasta ahora y desde el principio.
Desde el principio enseñan en la Escuela de Profesiones Artísticas SUR fundada por el Círculo de Bellas Artes y La Fábrica. Enseñan a aprender. Y a aprenderlo todo de todos. Allí no estará Velázquez, pero sí estará Souto de Moura, Iglesias, Almodóvar y García-Alix. Como estará Luis de Pablo, Oscar Mariné o Eduardo Arroyo. Y también estarán alumnos de todas las edades y procedencias de los que aprender y a los que enseñar. Aprender y enseñar a mezclar colores, a absorber influencias de todos lados, a contemplar el contexto y el tiempo y el lugar, a mirar y a volver o a pensar sin imitar. En definitiva, a querer ser artista. A querer al arte.
Sí, quizá para ser artista solo necesitamos proponérnoslo. Y dejar que nos enseñen.
Imagen de portada: Ana María González, Medellín, Colombia, veintitrés años. Artista plástica. Alumna de SUR. Foto: Luis de las Alas
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This is an ongoing attempt at an algorithmically-generated, readability-adjusted scatter-plot of the musical genre-space, based on data tracked and analyzed for 1387 genres by The Echo Nest. The calibration is fuzzy, but in general down is more organic, up is more mechanical and electric; left is denser and more atmospheric, right is spikier and bouncier.
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Article and videos recommended by Karla Castillo from Mexico, collaborator of Arttextum’s Replicación
The poetry of Charles Bukowski deeply inspires many of its readers. Sometimes it just inspires them to lead the dissolute lifestyle they think they see glorified in it, but other times it leads them to create something compelling of their own. The quality and variety of the Bukowski-inspired animation now available on the internet, for instance, has certainly surprised me.
At the top of the post, we have Jonathan Hodgson’s adaptation of “The Man with the Beautiful Eyes,” which puts vivid, colorful imagery to Bukowski’s late poem that draws from his childhood memories of a mysterious, untamed young man in a run-down house whose very existence reminded him “that nobody wanted anybody to be strong and beautiful like that, that others would never allow it.” Below, you can watch Monika Umba’s even more unconventional animation of “Bluebird“:
Without any words spoken on the soundtrack and only the title seen onscreen — a challenging creative restriction for a poetry-based short — Umba depicts the narrator’s “bluebird in my heart that wants to get out.” But the narrator, “too tough for him,” beats back the bluebird’s escape with whiskey, cigarettes, and a policy of only letting him roam “at night sometimes, when everybody’s asleep.”
You’ll find Bradley Bell’s interpretation of “The Laughing Heart,” a poem that advises its readers not to let their lives “be clubbed into dank submission,” to “be on the watch,” for “there are ways out.” “You can’t beat death,” Bukowski writes, “but you can beat death in life, sometimes.” In Bell’s short, these words come from the mouth of the also famously dissolution-chronicling singer-songwriter Tom Waits, certainly Bukowski’s most suitable living reader (and one who, all told, comes second only to the man himself). Only fitting that one inspiring creator delivers the work of another — in the sort of labor of enthusiasm that, too, will inspire its audience to create.
At the bottom the post, you will find “Roll the Dice,” an animation suggested by one of our readers, Mark.
Imagen recomendada por Cindy Elizondo, colaboradora de Costa Rica para Replicación de Arttextum
Nuestra colaboradora Cindy Elizondo nos ha compartido esta fotografía de este gran fotógrafo costarricense. Sigue al autor en Instagram (@jdpc03) y descubre más.
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Autor: PijamaSurf
Vía PijamaSurf| Septiembre 24, 2015
Un grupo de estudiantes de arquitectura de interiores en Estonia diseñó megáfonos gigantes para amplificar el sonido del bosque
Seguramente muchos hemos escuchado el bosque, aunque así, en abstracto, probablemente sería difícil encontrar una manera de describir o decir a qué suena particularmente, dado que suena a muchas (y múltiples) cosas. Dentro de todos los sonidos que podemos percibir dentro del bosque, algunos se intensifican o se pierden dependiendo de la distancia y el volumen (o fuerza) del sonido.
¿Cómo escuchar el bosque? Un grupo de estudiantes de arquitectura de interiores en Estonia ha respondido a esta pregunta.
Los estudiantes construyeron y colocaron enormes y profundos megáfonos de madera en un bosque del país, buscando amplificar los sonidos por medio de una instalación acústica a gran escala.
La instalación combina un espacio arquitectónico contemporáneo con la naturaleza; el sitio en el que fueron colocadas estas esculturas-amplificadores es accesible para ciclistas y para todo público amante de la naturaleza y sus sonidos.
Los megáfonos fueron dispuestos a una distancia y ángulo particulares para que la alimentación de sonido de todas las direcciones genere un sonido único; sin embargo, la obra también es una estructura arquitectónica funcional puesto que se pueden utilizar dichos megáfonos como estancias, pequeñas salas de estar, de descanso o estudio.
El autor de la idea es el estudiante de arquitectura de interiores Birgit Õigus. El grupo fue instruido por los diseñadores Tõnis Kalve, Ahti Grünberg y el despacho de arquitectura b210.
El Estonian Forest Management Centre (EFMC), socio del proyecto desde el principio, se alegra de que, además de proporcionar un espacio visualmente impresionante para la contemplación, los amplificadores pueden también ser usados por los aventureros menos exigentes para pasar la noche en el bosque.
“El espacio puede ser utilizado para llevar a cabo una clase de naturaleza al aire libre o un pequeño evento cultural, es realmente multifuncional”, afirma Marge Rammo, integrante del EFMC.
Imágenes: Tõnu Tunnel, Henno Luts
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Autor: Anatxu Zabalbeascoa
Vía El País -Blog| Agosto 20, 2015
Los jardines secos, de piedras rastrilladas en lugar de vegetación o con apenas vegetación, y capaces de evocar un paisaje lunar son lo que reconocemos como jardines zen. Son espacios para la meditación en los que la grava parece congelar el momento en que la piedra cae al agua y, por lo tanto, consigue una imagen inusitada. Tan imposible como el trabajo de un jardinero exquisito que, rastrillo en mano, trabaja descalzo para evitar dejar huellas. Con tanto cuidado que su labor se intuye sin hacer ruido. El jardín de meditación para los monjes alcanzó el kitsch cuando se empezaron a comercializar jardines zen en miniatura para los salones de los occidentales pudientes con supuestas ínfulas culturales, que eran, en realidad, la misma apuesta de siempre por la cultura del consumo para alcanzar la felicidad.
Entre los jardines zen de Kioto, Ryoan-ji es el más famoso. Tiene apenas 23×10 metros y data del siglo X. En él son legendarias sus 15 grandes rocas, en ocasiones rodeadas de musgo, de las que, se ponga uno donde se ponga, solo se pueden ver 14. El 15 se asocia, en el budismo, a la perfección de nuestro 10. Por eso en ese jardín, es complicado alcanzarla. No hay que mirar solo con los ojos para alcanzar la iluminación. Sin embargo, y también en Kyoto, en el templo de Tofuku-ji, un jardín, arraigado en el siglo XIII y ampliado en el XX agranda la lección del famoso templo.
Aquí, corría el año 1939 cuando el abad le pidió al jardinero Mierei Shigemori un plan para mejorar lo que tenían. Shigemori se entusiasmó tanto que trabajó sin cobrar y, de acuerdo con los principios zen, utilizó solo lo que ya tenía: las piedras del lugar y su vegetación para evitar el desperdicio. El resultado fue un jardín abstracto, inesperado, moderno y ejemplar, un jardín para el siglo XX cuya sutil y a la vez contundente lección permanece viva en el XXI.
Lo que Shigemori hizo se resume en la lógica, el reciclaje, la pasión y el atrevimiento. Así aprovechó lo que tenía, pero en lugar de protegerlo lo mezcló. Hizo convivir el musgo con el pavimento gris que había en la entrada construyendo un damero de musgo y piedra que ha sido incansablemente imitado. También convirtió, como en los mejores jardines zen, la grava en agua, rastrillándola y dibujándole ondas y círculos concéntricos. Ideó, finalmente, la marca de la casa: parterres de azaleas construyendo un orden cartesiano y montañas de vegetación que parecían surgir de la grava explicando que donde parece que no hay nada puede llegar a brotar todo.
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Autor: Prof. Arcadio Esquivel
Vía Facebook | Mayo 14, 2012
Artículo recomendado por Cindy Elizondo, colaboradora de Costa Rica para Replicación de Arttextum
De una manera visible las personas que tienen enorme potencial de ser artistas natos hacen cosas poco usuales, de manera que si su hijo busca estar siempre a solas, se lanza horas sobre el papel en blanco para crear o se abandona a si mismo, esto es, que no quiere comer o no quiere asearse, muchas veces por el afán de dar forma a una obra que de ninguna manera será la última, es probable que tenga usted en su casa a un artista en potencia.
Es cierto que no hay un artistómetro para medir la capacidad creativa de los individuos en sus años primeros de vida, pero las conductas individuales suelen ser un parámetro que nos puede ayudar de alguna manera. La niña o el niño retraído, el que tiene pocas palabras para conversar, el distraído o la niña o el niño que se entregan a la observación de las cosas por lapsos relativamente largos, son de alguna forma sujetos a los que hay que prestar atención.
Ante individuos con estas características lo mejor será auspiciarlos, para observar si responden a estímulos orientados hacia el arte, o sea que usted como padre o madre está en la casi obligación de suministrarles material de arte, instrumentos para desempeño artístico y documentos de arte para la inspiración, como revistas y libros sobre arte o artistas.
En las épocas escolares y colegiales será importante no eliminar estas prácticas creativas, ni siquiera durante la época de evaluaciones, lo recomendable será dosificar sus tiempos para la creatividad y convertirlos en complementos de estudio y estímulo de acuerdo al desempeño académico.
Recuerdo que durante mi época de estudiante en el colegio, vino a nuestra institución un escultor, quien recorrió el edificio hablando de su carrera a los alumnos en varias aulas, yo sobredimensioné a aquel artista a tal punto que no me importó ausentarme de una de mis clases con tal de verle y observar varias de sus esculturas mientras las acomodaba en el salón de actos de mi colegio. Fue una visita que reafirmó en mi, el deseo de ser artista. Esta experiencia personal debería ser útil para todos los padres que conociendo de alguna actividad que involucre artistas, puedan hacer partícipes a sus hijos para que conozcan a los que se desempeñan en el mundo del arte y quien sabe, podamos dar un gran empujón intelectual, al artista en ciernes.
Darle oportunidades a los hijos para que se descubran a sí mismos como artistas es de vital importancia.
Autor: Cultura Inquieta
Vía Diseño | Noviembre 20, 2016
Artículo recomendado por Karla Castillo, colaboradora de México para Replicación de Arttextum
El arte del bordado ha existido a través del tiempo, datando del siglo V antes de Cristo. A pesar de sus siglos de antigüedad, este inmemorial oficio ha sido renovado continuamente por visionarios artistas que amplían las fronteras de su propósito y sus límites. Desde retratos hiperrealistas bordados a prendas de punto para coches, los creativos han llevado este campo a lugares nuevos y emocionantes con sus obras de arte.
Aquí podemos ver algunos de nuestros artistas favoritos que han llevado el arte del bordado al siguiente nivel.
Obra de arte de María José Alós, colaboradora de México para Replicación de Arttextum
Mitología Familiar (fuera de campo), 2015-2017
Lo que se presenta en este espacio son los fragmentos de la investigación y producción artística que se realiza y edita desde Agosto del 2015 hasta la fecha, durante el programa de maestría MaPa de la UAEM Morelos con beca de CONACYT.
La experimentación de la obra Mitología familiar (fuera de campo) se desarrolla a través de metodologías de reempleo, apropiación e intervención de documentos familiares propios y ajenos, rescatados y encontrados en formatos como: fotografía, texto, libro, película en pequeño formato, registro sonoro y de video, realizados desde principios de s. XX a la fecha y coleccionados a lo largo de una década.
Las estrategias artísticas incluyen: prácticas de archivo, apropiación, found footage, found object, ejercicios de recuperación de la memoria y del recuerdo, puesta en escena, reescritura, montaje, así como la exhibición constante del proceso y la obtención de retroalimentación vía la plataforma web y redes sociales.
Como parte de la propuesta de libro de artista que desarrolla actualmente en donde se accede a los materiales de edición para este texto, la artista mexicana convoca al público a dejarle comentarios y a participar en la selección y montaje de la obra final. Contáctala directamente a través de su página web.
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Artistas de Arttextum relacionados:
Brenda MorenoMáximo Corvalán-PincheiraAna Álvarez-Errecalde
Página web recomendada por Ana María Agredo, colaboradora de Colombia/México para Replicación de Arttextum
NOPHOTO es un colectivo de fotografía contemporánea nacido en 2005 con el objetivo de hacer viables proyectos individuales y colectivos NO convencionales.
Se caracteriza por una actitud abierta en contenidos, una tendencia interdisciplinar en las formas, la utilización de múltiples soportes de difusión de los proyectos, como web y proyección digital y la implicación personal en el proceso de gestación y producción de los mismos.
NOPHOTO hace de la negación su punto de partida. NOPHOTO no es una agencia de fotógrafos, sino una ACTITUD. Una manera de ver. Una revolución. Un NO (que nunca está de más).
Esta actitud estética hace que NOPHOTO no renuncie a ninguna forma de creación o exhibición. Los trabajos del colectivo ofrecen una experimentada mirada sobre lo cotidiano que siempre conduce a lo extraordinario. Este proceso es resultado de la reflexión en grupo y de la interacción de procesos de creación alternativos.
“No es que nos guste ir a la contra, es que lo que nos divierte es caminar despacio, torpemente, observar las diferencias menudas entre las cosas, descubrir sus ritmos. Tratar de describir un objeto, dar una vuelta alrededor, acariciar su contorno y cubrir todo el perímetro. Preguntarse de qué está hecho y qué papel cumple en la historia. Obligarse a agotar el tema y no decir nada. Obligarse a mirar con sencillez y no resolver nada. No ilustrar, no definir, no fotografiar. Lo que nos gusta es desfotografiar las cosas y desnombrarlas.”
NOPHOTO ha sido galardonado con el Premio Revelación 2006 del Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales PHotoEspaña.
La organización ‘Colectivo Tomate’ cambia la cara de Xanenetla en Puebla
El barrio de Xanenetla, considerado como uno de los más “bravos” de la ciudad de Puebla (centro de México), ha sido por años epicentro de crímenes y delitos; sin embargo, el lugar ha sufrido una transformación gracias al arte. “Los taxis no se atrevían a entrar” señala un vecino sobre este barrio, que colinda con el centro de la ciudad y cuya población ronda los 10,000 habitantes. Calles empedradas y estrechas que fueron testigos históricos de asaltos, tráfico de drogas y conflictos son hoy un faro de luz que abre la puerta a la esperanza de todos los vecinos de la colonia, donde hoy se inaugura la Ciudad Mural.
Detrás de esta transformación está una organización sin fines de lucro conocida como “Colectivo Tomate”, un grupo de ciudadanos que busca inspirar a las personas a participar activamente por su comunidad. “Que se den cuenta de que cuando nos unimos podemos fortalecer y transformar el lugar en el que las personas habitamos” señaló Maribel Benítez, codirectora del colectivo.
El inicio de algo grande
Comenzó como un proyecto de arquitectura entre dos personas, pero nueve años después se ha convertido en una iniciativa de integración social en comunidades vulnerables y focos rojos de las grandes urbes.
Su trabajo no sólo queda reflejado en las paredes; también se nota en la reducción de los índices de criminalidad y en la calidad de vida de los habitantes. “El arte es nuestra herramienta principal y favorita y a través de él promovemos herramientas de paz y de participación ciudadana” dijo la codirectora.
Un artista del Estado de México describe esta experiencia como genial y señala que el hecho de trabajar en puntos conflictivos la hace más humana. “Quizá los jóvenes no tienen otra forma de ver la vida; tal vez (están involucrados en asuntos de) drogas o violencia y cuando ven a una persona haciendo un mural podemos cambiar algo en ellos”, señala el artista Fernando Pons Fernández.
El proyecto consiste en la creación colectiva de murales que narren la historia de las familias en las fachadas de sus casas, así como la identidad del barrio en espacios comunes.
Artistas internacionales y de diferentes partes del país se sumergen en la historia del barrio a través de dinámicas de sensibilización.
Descalzos y con los ojos tapados recorren el barrio para sentirlo, escucharlo y así poder transmitir luego esas sensaciones a través de sus pinturas. Una labor altruista que comienza conociendo a las familias; ellos se abren al artista y le expresan qué les gustaría representar en sus fachadas. De ahí sale un boceto que finalmente, de ser aprobado por la propia familia, quedará grabado en sus viviendas.
El artista poblano Alejandro Varela comparte su experiencia y señala que le tocó pintar la fachada de una pareja de matemáticos. Cuando entró por primera vez a su casa se topó con una estatua de un perro xoloitzcuintle, pero no le dio más importancia. “Al día siguiente me dicen, ‘no te hemos presentado a nuestra hija’, yo pregunté si tenían una y me sacaron a una xoloitzcuintle, y dije ‘ya lo tengo’”. Ahora esta pareja tiene a cada lado de la entrada principal de su casa un perro de esta raza, un macho y una hembra.
Historias como estas se repiten en cada fachada. Unos deciden poner algo alusivo a su profesión, a sus creencias religiosas, a un familiar recientemente fallecido o plasman leyendas típicas del barrio. El día de hoy se inaugura Ciudad Mural en Xanenetla; el barrio que vio nacer esta iniciativa hace siete años sigue sumando historias a través de la pintura.
En esta ocasión son 75 murales, de los cuales 44 son completamente nuevos y 26 han sido rehabilitados de etapas anteriores.
Mes y medio de trabajo conjunto entre artistas y vecinos que deja como resultado un barrio lleno de color y encanto, donde el miedo y la inseguridad se esfumó a brochazos para dar paso a un lienzo de esperanza y oportunidades para miles de personas.
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Artículo recomendado por Fabián Muhlia, colaborador de México para Replicación de Arttextum
Hablar sobre Francisco Toledo (Juchitán,Oaxaca,1940) siempre es un deleite porque se trata de un artista con un compromiso social constante e imaginación ilimitada. Basta recordar su postura ante la desaparición de los 43 normalistas de Ayotzinapa (creó 43 papalotes con los rostros de los estudiantes desaparecidos e hizo un performance en Oaxaca) y también su incansable defensa del Cerro del Fortín en el sur del país ante la intención, por parte del gobierno estatal, de construir un Centro de Convenciones en esa parte natural de la ciudad oaxaqueña.
En esta ocasión, Francisco Toledo expone su obra cerámica en alta temperatura en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México (MAM), ubicado entre el Paseo de la Reforma y el Bosque de Chapultepec y durará hasta el 28 de febrero del 2016. Cabe destacar que es la segunda exposición retrospectiva del pintor oaxaqueño en este museo.
La museografía es muy parecida a la de la exposición Resumen del fuego, del escultor Fernando González Cortázar, exhibida en el mismo recinto en marzo del 2014, ya que dentro de las paredes oscuras se desvelan con una luz especialmente dirigida (casi teatral) a las excelentes piezas cerámicas de Francisco Toledo, todas ellas realizadas durante este 2015 en el Taller Canela del maestro ceramista Jerónimo López, un anexo del Centro de las Artes de San Agustín (CaSa), Oaxaca.
En esta muestra abundan los personajes ya característicos de su obra: sapos, magueyes, maíz, coyotes, penes transformados en cañones, aves, rostros que sufren y tarántulas.
Siempre que observo la obra de Toledo está presente el color rojo en mil formas y texturas posibles: rojo fuego, rojo sangre, rojo quemado y rojo natural nacido de pigmentos oaxaqueños que han inspirado todo un movimiento de artistas plásticos originarios de esa ciudad.
Como referente histórico es preciso mencionar la gran influencia que ha tenido sobre este movimiento el célebre pintor Rufino Tamayo (Oaxaca, 1899- 1991), un artista que produjo una realidad pictórica alterna a la de los tres grandes muralistas mexicanos: José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera.
Las tres obras que más llamaron mi atención son jarrones que se asemejan a sus grabados (una técnica por demás célebre de Toledo) traducidos al formato tridimensional de la cerámica en colores rojo, negro y amarillo. Todos ellos envueltos por espinas que los hacen abandonar la forma tradicional de un objeto cerámico y los transforman en organismos mágicos que respiran y sienten, que sufren metamorfosis y sangran.
Hay una obra más que también me fascinó. Consiste en una figura humana de dos cabezas que emerge de cuatro patas y está manchado de sangre en sus caras y estómago. Es un grito visual muy profundo que se hace más agudo cuando observamos que los rostros tienen ausencia de ojos (hoyos negros).
Al recorrer la exposición de principio a fin, encontraremos el dolor que causa la injusticia en nuestro país, ya que son piezas crudas de verdad, como verdadera es la realidad sangrante de México.
El título es muy adecuado porque esa realidad es nuestro duelo, nuestra gran pérdida de confianza de un futuro pero también nos invita a reflexionar sobre cómo podemos renacer por medio del arte, tal como lo ha hecho Francisco Toledo.
Imágenes: cortesía del autor.
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Portafolio de artista recomendado por Alejandra Pérez, colaboradora de México para Replicación de Arttextum
Nuestra colaboradora Ale Pérez realizó una recomendación para incluir el portafolio de la artista mexicana Georgina Santos, quien también participa en Arttextum.net desde 2013.
Nuestra colaboradora comentó lo siguiente al respecto del trabajo de Santos:
Si pudiera evocar imágenes mezcladas con aromas, creo que el quehacer de Georgina me evoca eso; me inspira su modo de construir a partir de la idea del viaje como referencia o punto para crear lazos a través del conocimiento, y la idea del “rescate” de nuestra cultura, de la noción que tengo como bello.
Autores: Roberta Bosco y Stefano Caldana
Vía Fundación Aquae | Octubre 6, 2015
Sin tomar en consideración la actividad de las industrias, está comprobado que el tráfico aéreo genera menos contaminación que los tradicionales medios de transporte, pero ¿puede ser superado por las emisiones generadas por la actividad de los usuarios de la red?
La asombrosa respuesta es sí. Lo demuestra la artista catalana Joana Moll (Barcelona, 1982) con su CO2GLE, un proyecto artístico que revela un dato sorprendente: navegar en la red contamina más que volar con un avión. De hecho, sólo la lectura de este artículo supone una emisión en la atmósfera de aproximadamente 0.17 gramos de dióxido de carbono (CO2).
Toda actividad humana implica un coste para el medioambiente, que se puede plasmar en porcentajes de emisiones de gases contaminantes en la atmósfera y entre todos ellos, el dióxido de carbono es uno de los más nefastos para el clima mundial y uno de los principales responsables del efecto invernadero. Todavía no se ha llegado a entender exactamente la repercusión de la actividad de los internautas para el medioambiente, aunque según estudios recientes Internet es responsable del 2 % de las emisiones globales de CO2. En promedio la producción de 1 Kwh. de energía emite 544 gr. de CO2 y son necesarios 13 Kwh. para transmitir 1GB de información, lo que equivale a 7,07 Kg. de CO2.
Evidentemente todos estos datos son aproximativos y afortunadamente este espacio de la Fundación Aquae sigue manteniéndose en unos márgenes de contaminación aceptables si los comparamos con el efecto diario generado por las emisiones de sitios muy populares como Facebook, YouTube o Google. Este último es el sitio más visitado de Internet con un promedio aproximado de 47.000 solicitudes cada segundo. Considerando que su web pesa cerca de 2 MB, se puede afirmar que a raíz de su uso la atmósfera recibe una cantidad que se acerca a los 500 Kg. de CO2 por segundo.
Todo esto se desprende de CO2GLE, un nuevo proyecto para Internet de la artista, docente e investigadora Joana Moll, que se expondrá a partir de mañana en The Promise Of The Internet, una exposición organizada por Connect The Dots. La obra de Joana Moll, que se proyectará en distintos espacios del vanguardista centro de arte de Sheffield (Reino Unido), es una despiadada y cruda página web que, gracias al empleo de un algoritmo, evoluciona inexorablemente relatando a través de los números la irremediable realidad sobre la cantidad de dióxido de carbono que Google lanza en la atmósfera. “CO2GLE se sitúa en una zona ambigua entre arte e investigación. Es una performance virtual simbólica, que intenta crear un espacio para la reflexión y el pensamiento crítico en relación a las consecuencias materiales de la híper-aceleración del infospace”, explica Moll, una creadora transdisciplinaria que trabaja en la investigación creativa sobre el uso de las nuevas tecnologías y su repercusión en la sociedad contemporánea.
La artista nos explicó como la idea de CO2GLE surgió después de varios años investigando los métodos de videovigilancia civil en la frontera entre Estados Unidos y México para Arizona: move and get shot, su anterior trabajo. “Me dediqué a estudiar cómo ciudadanos civiles controlan la frontera desde sus casas a través de cámaras web y plataformas online, que les permiten denunciar a las autoridades la entrada de inmigración ilegal en territorio estadounidense. Durante esa exploración me preocupó mucho la desconexión entre la acción y la consecuencia al operar por el medio digital, sobretodo la dilución de las responsabilidades de la acción y sus implicaciones éticas, políticas, económicas y medioambientales”, indica Moll relatando como a través de esa inquietud, a finales de 2013 empezó a preguntarse acerca del impacto material del uso de Internet.
“En realidad no tenía muy claro por dónde empezar y comencé a investigar la cantidad de kilovatio-hora (Kwh.) que se necesita para cargar la información en la red. Obviamente este proceso se traduce en emisiones de dióxido de carbono (CO2), y me pregunté cómo es posible que una conexión tan obvia estuviera tan desdibujada en la imaginación social. Calcular las emisiones exactas generadas por las comunicaciones en la red es extremadamente difícil debido a la gran cantidad de actores participantes en el proceso, entonces CO2GLE nació con la idea de hacer visible la materialidad de lo virtual y resaltar esa conexión”, concluye Moll que actualmente está desarrollando un plugin para navegadores, que permitirá calcular en tiempo real las emisiones aproximadas que un usuario genera al navegar por la red.
Sin embargo su investigación no concluye allí y sin ahondar mucho en la repercusión ecológica generada por las principales industrias, la artista ha querido compartir con nosotros también unas estadísticas sobre la contaminación de los pequeños objetos domésticos y las acciones cotidianas, que a pesar de llevar tiempo circulando por la red parecen no haber generado mucha sorpresa en la opinión pública. Sin embargo hay datos asombrosos, por ejemplo planchar una camiseta produce una emisión de 25 gr. y un minuto de llamada por el móvil puede alcanzar los 57 gr. En cambio se calcula que un tweet genera aproximadamente 0.2 gr. de CO2, mucho menos que los 4 gr. que requiere enviar un email o los 12 gr. necesarios para mantener encendido un ordenador portátil durante una hora.
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Se aprovechó la venida del proyecto piano móvil, para resonar con el embalse del muña en Sibaté Cundinamarca (Col), donde llegan las aguas altamente contaminadas del río Bogotá. La desviación del río y la construcción del embalse comenzó en el año 1948 con el fin de utilizar estas aguas para la generación de energía eléctrica a través de la planta del Charquito de la multinacional EMGESA. Desde entonces los daños ambientales y sociales no han cesado. La experiencia del paisaje se presenta contrastada, un gran espejo de aguas negras que reflejan el blanco de las nubes y el azul del cielo, sensación sublime por el encuentro entre el cielo, la tierra y el agua, mientras se respira los malos olores y vapores de las cargas de químicos, detergentes y metales pesados como cadmio, plomo, mercurio.
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![Andy Warhol
Cow Wallpaper (Pink on Yellow)
[Papel tapiz con motivo de vaca (Rosa sobre amarillo)], 1966, (reimpresión 1994)
Serigrafía sobre papel tapiz
Rollo (cada uno): 457.2 x 71.1 cm
Imagen (cada una): 116.8 x 71.1 cm
The Andy Warhol Museum, Pittsburgh](https://arttextumreplicacion.files.wordpress.com/2017/07/andy-warhol-cow-wallpaper-arttextum-replicacion.jpg?w=1200)
