Gregory Crewdson, el hombre que hace cine a través de una única fotografía

Autor: Ángel Perianes
Vía El Mundo | Septiembre 5, 2017

Artículo recomendado por Angélica Escoto, colaboradora de México, para Replicación de Arttextum

Reino Unido y Francia acogen este verano “Cathedral of the pines”, la última serie del artista norteamericano, que asegura haber realizado su obra “más personal” tras dos años de trabajo

Posee la insólita virtud de hacer cine con una cámara de fotos. En sus más de 20 años de profesión como fotógrafo, a Gregory Crewdson (Nueva York, 1962) ya hay quien le considera un Alfred Hitchcock que filma en un solo fotograma. Un incondicional de David Lynch que vive obsesionado con colgar la esencia de su película Terciopelo azul en una pared, una y otra vez. La influencia de ambos, junto a la de otros grandes cineastas, le ha llevado a colmar su obra de innumerables códigos cinematográficos. Así se inspira para retratar escenas suburbanas de calado surrealista; como una secuencia en pause de Twin Peaks, en la que, entre vecindarios idílicos, el espectador parece obligado a hacer del célebre agente Cooper para interpretar qué sucede en sus obras.

Crewdson vuelca a la fotografía las historias que el celuloide no puede sintetizar. Dice que no toma fotos. Las construye. Lo hace con la parafernalia del séptimo arte. A su alrededor, un amplio equipo que, desde sus inicios en los 80, le ha ayudado a crear su particular Hollywood en los barrios residenciales de su estado de acogida, Massachusetts. Trabaja entre una mirada de diseñadores, operadores de cámara, iluminadores, directores de arte, asistentes de fotografía, pirotécnicos, maquilladores, carpinteros y operarios; decenas de personas invadiendo calles con grúas y máquinas de humo, mientras él controla a todos, movido por su perfeccionismo.

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En 2013 y 2014, los frondosos bosques de Beckett fueron testigos de su último trabajo. Esta zona del condado de Berkshire, próxima a los Apalaches, acogió la producción de su serie más reciente, Cathedral of the Pines, que ha aterrizado este verano en el continente europeo, y que se expone en la actualidad en la Photographers’ Gallery de Londres y en el FRAC Auvergne de Clermont-Ferrand, en Francia.

El artista la describe como “la más personal” de todas las que ha realizado hasta la fecha, lejos del despliegue técnico realizado años atrás, aunque ha sido, probablemente, la más complicada de iniciar. Una profunda crisis provocada por su divorcio le tuvo dos años sin sacar una sola foto. Se recluyó en Great Barrington, un pueblo donde compró y restauró una iglesia para hacer de ella su nueva casa y, al lado, una estación de bomberos que convirtió en su estudio. Después de largas caminatas durante meses por los alrededores, encontró la inspiración en un sendero cuyo nombre dio título a esta obra. “Estaba caminando un día de nieve cuando me encontré con una señal en un sendero llamado Cathedral of the Pines. La resonancia del nombre me detuvo. Sabía que tenía que usarlo”, explica.

La obra es el reflejo de un sueño recurrente. Una fijación del artista por mostrar distopías domésticas de la clase media en un ambiente de tensión hogareña o dramas íntimos de personas a la deriva que ocultan un algo tan siniestro como melancólico. Son misterios suburbanos sin argumento, tal y como él mismo reconoce: “No hay un antes ni un después de ese momento congelado. Ni quiero que haya una narración literal. Debe ser el público quien proyecte su propia narración”.

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Está convencido de que “todo artista tiene una sola historia que contar y no deja de contarla una y otra vez”. La historia de gente al borde del colapso; de mujeres desnudas con miradas abismáticas, perdidas en habitaciones tapizadas de algún motel con reminiscencias del cine clásico, acurrucadas en sofás de tela sintética, de pie sobre una moqueta, en un sombrío cobertizo o junto a un Chevrolet, vivaqueando en la intemperie. Cada imagen suma la estética y extrañeza de Lynch, el realismo del pintor Edward Hopper o el paisajismo del siglo XIX de artistas como Thomas Cole y Albert Bierstadt.

Para conseguir ese resultado, su equipo tuvo que hacer frente a duros reveses. Entre ellos, un miembro del set casi muere ahogado debido a una inundación y otro perdió la sensibilidad en los pies sobre la nieve. Eso marcó el nivel de dificultad de una producción que llegó a gestarse a 15 grados bajo cero en un terreno boscoso de complicado acceso.

Crewdson trabajaba por primera vez rodeado de familia y amigos. Nunca antes, en otras series, se había dignado a conocer a quienes posaban para él. Ni siquiera ha sabido cómo denominarlos: ¿Actores, modelos, sujetos? Ha sido así hasta Cathedral of the pines. Algo cambió en esta obra en la que pasó de fotografiar figuras anónimas, muchas de clase obrera, a su actual esposa (y productora creativa), Juliane Hiam, y su hija Lily, que han ejercido de protagonistas en algunas de las imágenes. Lucen como él sueña sus personajes. Como seres disfuncionales que el novelista John Cheever hubiera descrito en papel.

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Cada una de sus costosas imágenes es fruto de producciones faraónicas que se dilatan durante días, semanas e, incluso, meses, hasta que un clic plasma el resultado final. Son imágenes con presupuestos de miles de dólares invertidos en espacios interiores y exteriores que se ha atrevido a moldear sin límites desde que se consolidó a finales de los años 90 como artista a gran escala; desde incendiar casas a comprar un edificio para poder derrumbarlo o a humear avenidas. Todo para dar con la atmósfera idónea. O el “momento perfecto” que siempre busca, tal y como relata en el documental, “Brief Encounters”, cuyo director, Ben Shapiro, dedicó casi una década de su vida a grabar cómo Crewdson creaba su serie más célebre, “Beneath the roses”.

Reino Unido y Francia acogen este verano “Cathedral of the pines”, la última serie del artista norteamericano, que asegura haber realizado su obra “más personal” tras dos años de trabajo

Posee la insólita virtud de hacer cine con una cámara de fotos. En sus más de 20 años de profesión como fotógrafo, a Gregory Crewdson (Nueva York, 1962) ya hay quien le considera un Alfred Hitchcock que filma en un solo fotograma. Un incondicional de David Lynch que vive obsesionado con colgar la esencia de su película Terciopelo azul en una pared, una y otra vez. La influencia de ambos, junto a la de otros grandes cineastas, le ha llevado a colmar su obra de innumerables códigos cinematográficos. Así se inspira para retratar escenas suburbanas de calado surrealista; como una secuencia en pause de Twin Peaks, en la que, entre vecindarios idílicos, el espectador parece obligado a hacer del célebre agente Cooper para interpretar qué sucede en sus obras.

Crewdson vuelca a la fotografía las historias que el celuloide no puede sintetizar. Dice que no toma fotos. Las construye. Lo hace con la parafernalia del séptimo arte. A su alrededor, un amplio equipo que, desde sus inicios en los 80, le ha ayudado a crear su particular Hollywood en los barrios residenciales de su estado de acogida, Massachusetts. Trabaja entre una mirada de diseñadores, operadores de cámara, iluminadores, directores de arte, asistentes de fotografía, pirotécnicos, maquilladores, carpinteros y operarios; decenas de personas invadiendo calles con grúas y máquinas de humo, mientras él controla a todos, movido por su perfeccionismo.

Infancia pintoresca

Desde muy temprana edad, su vida quedó condicionada por grandes epifanías. El sótano de su casa en Park Slope, Brooklyn, es el origen de su obra. Era ahí donde su padre, un psicoanalista con esposa y tres hijos, tenía la consulta. Empujado por la curiosidad, tras la puerta de aquel despacho subterráneo, Gregory solía pegar la oreja en el suelo para intentar conocer las confidencias de los pacientes que por allí pasaban. De todo cuanto escuchaba (y lo que no) en las sesiones de aquellas personas, Crewdson empezó a desarrollar cierto afán por lo secreto y lo prohibido. Pero sobre todo, por lo extraño y lo paranormal, una fijación que aquel niño fue acrecentando poco a poco y que, décadas más tarde, plasmaría en algunas de sus fotos más icónicas.

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Años más tarde supo que era disléxico. Y, desde entonces, se mantuvo apegado a la imagen fija como vía de expresión, dada la dificultad que tenía para leer y escribir. Ocurrió después de que, en 1972, su padre le llevara a una exposición sobre la artista Diane Arbus en el MoMa de Nueva York. Empapó su infancia de los personajes perturbadores y marginales de la americana, al igual que de otros artistas como William Eggleston, Walker Evans, Stephen Shore o Joel Sternfeld; Fotógrafos que durante aquella década pusieron de moda hacer crónica de su país, retratando mundanos paisajes rurales y suburbanos que han sufrido la acción del hombre.

Puso tanto empeño en la fotografía como en la música, a la que a punto estuvo de dedicarse cuando apenas contaba con la mayoría de edad. Por entonces tenía un grupo de pop llamado The Speedies. Al final, todo quedó en un solo éxito casualmente llamado “Let me take your photo” que, 20 años más tarde, fue utilizado para publicitar impresoras de la conocida marca Hewlett Packard.

La cinta Terciopelo Azul de su director fetiche, David Lynch, cambió su vida para siempre al descubrirla en 1987: “Recuerdo que me sentí profundamente conectado con la forma en que utiliza la lengua vernácula americana y cómo reveló algo más oscuro y siniestro por debajo de ella. Conecté completamente con su uso de la luz y la oscuridad. No estoy diciendo que sea la mejor película de la historia, pero es la que mejor me define”. Por eso, se obcecó en clavar su universo en cada una de sus fotos. En exteriores, panorámicas forestales que mezclan elementos industriales con edificaciones ruinosas. En interiores, iluminaciones lúgubres, espejos y puertas entreabiertas en espacios arcanos con personajes erráticos que parecen sacados de la filmografía del director surrealista.

Gregory Crewdson eligió la cabaña de sus padres, en Lee, un pequeño pueblo de Massachusetts, para iniciar su trayectoria tras terminar sus estudios superiores en la Universidad de Yale, de la que hoy es profesor. En ese municipio han surgido muchas de sus babélicas fantasías, que tantos miles de dólares han movido.

Pronto traspasó la barrera de fotógrafo convencional para convertirse en una suerte de arquitecto que escenificaba todo cuanto le sobrecogía, ya fueran influencias cinematográficas como literarias. Y así fue cómo surgió su primera foto a gran escala, haciendo un homenaje a la Ofelia de Hamlet que el británico John Everett Millais inmortalizó en una pintura: “Durante muchos años tuve en mi mente la imagen de una mujer sumergida en su sala de estar. Cuando me fue posible trabajar en un estudio de sonido, supe que era lo primero que iba a intentar. Construimos una sala de estar y un tanque a su alrededor para inundarla. Entonces miré a través de la cámara, vi la expresión de ella y me di cuenta de que aquello era lo que buscaba. Fue aterrador”.

Cada imagen, admite, surge de un “qué extraño, ¿qué es esto?”. Son revelaciones rurales, suburbiales, que él consigue plasmar en su cabeza a base cine, fotografía, literatura y pintura, tal y como confiesa:

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Hayao Miyazaki: What You Can Imagine

By: JD Thompson
Via YouTube | September 4, 2016

This is a brief analysis of animator filmmaker, Hayao Miyazaki.

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CANADA

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Fundadores: Lope Serrano y Nicolás Méndez
Vía Canada

Website recomendado por Mariana Chávez Berrón, colaboradora de México para Replicación de Arttextum

CANADA es una productora que tiene sede en Barcelona España producen y publican vídeos, discos, libros y objetos físicos de toda índole. Es muy característica su dirección de arte y el link es su archivo de videos desde 2008.

CANADA trabaja Worldwide salvo en EEUU que está representado por The Directors Bureau y en Francia donde lo representa Iconoclast.

Imagen de portada: DEGREE – HELLO WORLD

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Before the Flood – Documentary by Leonardo DiCaprio

Before the Flood – Documentary by Leonardo DiCaprio

Producers: Leonardo DiCaprio & Fisher Stevens
Via Before the Flood

Video recommended by Andrea López Tyrer from the Chile/Spain, collaborator of Arttextum’s Replicación

If you could know the truth about the threat of climate change — would you want to know? Before the Flood, presented by National Geographic, features Leonardo DiCaprio on a journey as a United Nations Messenger of Peace, traveling to five continents and the Arctic to witness climate change firsthand. He goes on expeditions with scientists uncovering the reality of climate change and meets with political leaders fighting against inaction. He also discovers a calculated disinformation campaign orchestrated by powerful special interests working to confuse the public about the urgency of the growing climate crisis. With unprecedented access to thought leaders around the world, DiCaprio searches for hope in a rising tide of catastrophic news.

From Academy Award®-winning filmmaker Fisher Stevens and Academy Award®-winning actor, environmental activist and U.N. Messenger of Peace Leonardo DiCaprio, Before the Flood presents a riveting account of the dramatic changes now occurring around the world due to climate change, as well as the actions we as individuals and as a society can take to prevent the disruption of life on our planet. Beyond the steps we can take as individuals, the film urges viewers to push their elected officials in supporting the use of alternative energy sources such as solar and wind power. “We need everyone to demand bold action from their political leaders and to elect representatives who have their best interests at heart, not the interests of corporations to perpetuate a cycle of greed and destruction,” says DiCaprio. “This documentary shows how interconnected the fate of all humanity is — but also the power we all possess as individuals to build a better future for our planet.”

Before the Flood premieres in theaters on October 21st and will air globally on the National Geographic Channel on October 30th in 171 countries and 45 languages. The film is directed by Fisher Stevens and produced by Leonardo DiCaprio, Fisher Stevens, Jennifer Davisson and Trevor Davidoski with Brett Ratner and James Packer of RatPac Entertainment. It was written by Mark Monroe and Executive Produced by Martin Scorsese, Adam Bardach, Mark Monroe, and Zara Duffy. The film is edited by Geoffrey Richman A.C.E., Ben Sozanski, Abhay Sofsky, and Brett Banks. The Director of Photography is Antonio Rossi. The Executive Music Producers are Trent Reznor and Atticus Ross with original music by Trent Reznor and Atticus Ross, Mogwai and Gustavo Santaolalla.

The carbon emissions from Before The Flood were offset through a voluntary carbon tax. Learn how you can offset your own carbon emissions by going to CarboTax.org

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Mubi

Mubi

Autor: Mubi
Vía Mubi

Web link recomendado por María José Alós, colaboradora de México para Replicación de Arttextum

MUBI es una cineteca en línea que presenta películas de culto, clásicas, independientes y reconocidas internacionalmente. Disponible en más de 200 países alrededor del mundo y en múltiples dispositivos, una suscripción a MUBI es un pasaporte para el mundo del cine. Cada día nuestros expertos presentan una gran película y tienes un mes completo para verla. Eso significa 365 extraordinarios títulos por año, curados por MUBI.
MUBI es el punto de encuentro para todo lo relacionado con la cultura del cine. Entérate de qué habla nuestra apasionada comunidad internacional de cine-fanáticos, estudiantes, cineastas, festivaleros y más. Descubre películas nuevas, lleva un registro de lo que has visto y conoce a otros que aman el cine tanto como tú. ¿Necesitas una guía? Notebook, nuestra revista, ilumina el mundo del cine clásico y contemporáneo con las últimas noticias, entrevistas y críticas.

Imagen de portada: Lost in Translation, Mubi

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UbuWeb

UbuWeb

Autor: UbuWeb
Vía UbuWeb

Web link recomendado por María José Alós, colaboradora de México para Replicación de Arttextum

UbuWeb es un sitio web sobre arte vanguardista. Fue fundado en 1996 por el poeta Kenneth Goldsmith.​
Allí puede encontrarse poesía concreta y sonora, archivos de video-arte, cine underground y Arte sonoro.

Imagen de portada: EntreVoir

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Celebrating the 117th birthday of the influential filmmaker and visual artist Oskar Fischinger

Celebrating the 117th birthday of the influential filmmaker and visual artist Oskar Fischinger

Creative Lead: Leon Hong
Via Google Doodle | June 22, 2017

Web link recommended by Fernanda Mejía from Colombia/Mexico, collaborator of Arttextum’s Replicación

I first discovered Fischinger’s work in a college class on visual music. His films, most of which were made from the 1920s to 1940s, left me awed and puzzled — how could he make such magic without computers?

Film-Flip book, 1970. Courtesy of Angie Fischinger
Film-Flip book, 1970.
Courtesy of Angie Fischinger

In the world of design, Fischinger is a towering figure, especially in the areas of motion graphics and animation. He is best known for his ability to combine impeccably synchronized abstract visuals with musical accompaniment, each frame carefully drawn or photographed by hand. A master of motion and color, Fischinger spent months — sometimes years — planning and handcrafting his animations.

Outward Movement, 1948. Oil on canvas.
Outward Movement, 1948. Favorite painting of Angie Fischinger, Oskars youngest child.
Courtesy of Angie Fischinger

Although mostly known for his films, Fischinger was also a prolific painter, creating numerous works that capture the dramatic movement and feeling of his films within a single frame. Unsatisfied with traditional media, he also invented a contraption, the Lumigraph, for generating fantastic chromatic displays with hand movements — a sort of optical painting in motion and a precursor to the interactive media and multi-touch games of today.
Even with the advanced technology that now exists, emulating Fischinger’s work is an impossible task. His colors and motion are so carefully planned yet naturally playful, his timing so precise yet human. So today’s Doodle aims to pay homage to him, while allowing you to compose your own visual music. I hope it inspires you to seek out the magic of Fischinger for yourself.

— Leon Hong, Creative Lead

Click the image to activate the Doodle
Click the image to activate the Doodle

Special thanks to Angie Fischinger, Oskar’s youngest child, who played an integral role in making this project possible. Below, she shares some thoughts about her father’s work and life:

My parents were German immigrants. They were forced to leave Germany in 1936 when it became clear that my father could not pursue his work as a filmmaker there (avant-garde was considered degenerate by Hitler and his administration). But many people who had already seen his films recognized his greatness. He received an offer to work at MGM and stayed in Hollywood after the war.

My father was incredibly dedicated to his art — some even called him stubborn. His passion and honesty were part of his brilliance, but they could also make him a bit difficult to work with. Sometimes our family struggled financially as a result, so everybody pitched in — the kids got paper routes or did babysitting. We were raised in a healthy, hard-working environment. We were happy, intellectually stimulated, and dedicated to education. Thanks to my family’s support and encouragement, I graduated from San Jose State and taught in the public school system for 30 years.

I feel incredibly proud of my family and am delighted to be the daughter of Oskar and Elfriede Fischinger. It means so much to me to see this celebration of my father’s art. It’s wonderful to know that his work, which has been steadily praised since the 1920s, will continue to receive worldwide recognition.

Production

  • Leon HongCreative Lead
  • Kris HomEngineer
  • Brian MurrayEngineer
  • My-Linh LeProducer & Proj Manager

Doodle Support

  • Perla CamposMarketing & Proj Support
  • Marci WindsheimerBlog Editor

Preset Composers

  • Local Natives
  • Nick Zammuto
  • TOKiMONSTA

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Award winning short film on How to be self sufficient

Author: Homesteading One Small Step towards freedom
Via YouTube | July 30, 2015

This family is an inspiration for people who would love to be a homesteader with limited resources!

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Un mensaje de Tarkovsky para los jóvenes: Aprendan a estar solos

Un mensaje de Tarkovsky para los jóvenes: Aprendan a estar solos

Autor: ParadoxeParadis
Vía Faena y Cultura Inquieta | Abril 6, 2015

Artículo recomendado por Andrea López Tyrer, colaboradora de Chile/España para Replicación de Arttextum

 

El no saber estar solo es uno de los síntomas más desafortunados que el cineasta ruso percibía entre la juventud. 
La soledad es tal vez el ejercicio más natural a nuestro alcance. Es ahí cuando logramos cultivar algunos de los estados más nutritivos para la mente y el espíritu, cuando experimentamos las más sustanciosas tormentas y la más reconfortante quietud. Practicada sanamente, la soledad es un vehículo exquisito. Nuestro diálogo interno adquiere tintes particulares y nos vemos obligados a confrontarnos con nosotros mismos, nos auto-revelamos sin intermediarios. Sin embargo, en muchos contextos se menosprecia, se sospecha de ella o inclusive se le teme; se evita a toda costa y se asocia con la derrota social o el aburrimiento. Y esta aversión cultural por la soledad termina por privar a millones de personas de aprovechar, y disfrutar, las bondades que solo ella provee. ¿Qué le gustaría decirle a los jóvenes? Pregunta el entrevistador a un Tarkovsky plácidamente posado sobre un árbol. A lo que el cineasta ruso, cuya obra por cierto destacó por comulgar con elementos como la pausa, el silencio y la soledad, responde que su principal consejo sería el aprender a cultivar la soledad:
No sé, creo que sólo me gustaría decirles que aprendan a estar solos y procuren pasar el mayor tiempo posible consigo mismos. Me parece que una de las fallas entre los jóvenes es que intentan reunirse alrededor de eventos que son ruidosos, casi agresivos. En mi opinión, este deseo de reunirse para no sentirse solos es un síntoma desafortunado. Cada persona necesita aprender desde la infancia cómo pasar tiempo con uno mismo. Eso no significa que uno deba ser solitario, sino que no debiera aburrirse consigo mismo porque la gente que se aburre en su propia compañía me parece que está en peligro en lo que a autoestima se refiere.
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Pequeños Descambios, un filme de María Paula Falla

María Paula Falla, artista Arttextum

Directora: María Paula Falla
Vía YouTube | Diciembre 19, 2012

 

Sinopsis:

En la vereda de Soracá en el departamento de Boyacá, un grupo de niños se reuné en una guarida secreta con el fin de compartir sus aventuras, historias que giran alrededor del trueque y de la soberanía alimentaria de sus familias.

Este cortometraje fue producido y realizado por el grupo de niños de la vereda de Soracá en Boyacá, que tomarón el taller de formación audiovisual en el marco de la 1ra Muestra Rodante de Cine Comunidad. Este grupo de niños es conocido como “Angelitos Voladores Producciones.”

En Co-producción con:

POPULUS Rural
POPULUS Proyectos Comunitarios
Virgen del Milagro Producciones

Talleristas:
María Paula Falla
Mauricio Hurtado
Fidel Gómez

Dirección:
María Paula Falla

Montaje:
María Paula Falla

Fotografía:
Mauricio Hurtado
Fidel Gómez

Producción de Campo:
Angelitos Voladores Producciones

 

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María Paula Falla, artista Arttextum
María Paula Falla

Watch This Guy Build a Massive Solar System in the Desert | Short Film Showcase

Authors: Wylie Overstreet & Alex Gorosh
Via YouTube | March 2, 2017

 

The vastness of space is almost too mind-boggling for the human brain to comprehend. In order to accurately illustrate our place in the universe, one group of friends decided to build the first scale model of the solar system in seven miles of empty desert. Watch a beautiful representation of our universe come together in light and space in this extraordinary short film.

About Short Film Showcase:
The Short Film Showcase spotlights exceptional short videos created by filmmakers from around the web and selected by National Geographic editors. We look for work that affirms National Geographic’s belief in the power of science, exploration, and storytelling to change the world. The filmmakers created the content presented, and the opinions expressed are their own, not those of National Geographic Partners. Email SFS@ngs.org to submit a video for consideration. See more from National Geographic’s Short Film Showcase at http://documentary.com

About National Geographic:
National Geographic is the world’s premium destination for science, exploration, and adventure. Through their world-class scientists, photographers, journalists, and filmmakers, Nat Geo gets you closer to the stories that matter and past the edge of what’s possible.

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Malala’s father: “She is the spirit of happiness in this house”

Author: Abigail Pesta
Via The NY Times | February 29, 2016

 

As the teenage Nobel prize winner prepares for her next step — college — her father tells Women in the World about how she is adjusting to her new life in England

When 15-year-old Malala Yousafzai was shot in the head on her school bus by the Taliban, a devastating thought crossed her father’s mind: Was he to blame?

Malala’s dad, Ziauddin Yousafzai, had strongly encouraged his daughter to pursue an education in Pakistan, defying the Taliban order that girls should not go to school, but should stay silent, marry young, and obey their husbands.

“When something bad happens, an honest person asks himself, what was my role? I think this is natural. The day Malala was shot was the most difficult day of my life. In that moment, it came to my mind, yes, could I have done differently? Could I have stopped her? I asked my wife if I had done the right thing,” Ziauddin told Women in the World by phone from England, where the family now lives. “My wife said, ‘Yes, you did the right thing. You and Malala are fighting for education, for equality. You are standing for your rights.’”

His moment of doubt passed, but he and his wife had to wait in agony for a week, wondering if their daughter would wake up from a coma. When she did, her first words, scribbled with a pen, were about her dad. “Why have I no father?” she asked, fearing he could be dead.

Ziauddin’s influence on his daughter’s life runs deep. In the documentary He Named Me Malala, which has its global television premiere on Monday night on the National Geographic Channel, it is clear how he raised his daughter to shun the patriarchal, tribal notions of a girl’s role of subservience in society. A schoolteacher and outspoken critic of the Taliban, he sent Malala to school at a young age and urged her to talk about politics and topics often reserved for boys. “I tried my best to treat my daughter as myself,” he told Women in the World. “I gave her a lot of freedom.”

He encouraged Malala to stay in school when she entered her teenage years — a time when Pakistani girls are typically “stopped from going out of the home” and married off, he said. He recalled how a man once complained to Malala’s mother that Malala was showing herself in public, continuing to go to school. “He said, ‘Malala brings shame to the family. You should not be doing this.’ When my wife told me this, I said, ‘This is my family. He should not poke his nose into my family affairs.’” Now, the same man “is a big supporter of Malala,” Ziauddin said. “Change starts in the close family, then it goes to the extended family, then it spreads to towns and cities and countries.”

Thoughout her school years in the Swat Valley, Malala became increasingly upset about how the Taliban targeted and bombed schools for girls. When a BBC correspondent asked her father if a girl at his school would anonymously blog about the situation, Ziauddin asked Malala if she would be interested. She said yes. Later she appeared with her dad in a video by New York Times reporter Adam B. Ellick, showing her face and saying she wanted to become a doctor. She began speaking publicly at events, campaigning for education for girls. In October 2012, a gunman boarded her school bus, asked for her by name, and gunned her down. She was not expected to survive. She was flown to a hospital in Birmingham, England, for medical care, and her family followed. Doctors performed brain surgery, attaching a metal plate to her skull and a cochlear implant to restore hearing to her left ear. Part of her face remains paralyzed.

Malala has struggled to adjust to school in the West. “Just think of a young girl who was studying in a far-flung area of Pakistan and had never been together with girls from the U.K., whose country and culture is different,” Ziauddin said. In the film, Malala talks about how the girls at her high school in England are busy dating boys. “Most of them have boyfriends. Most of them have broken up with some of the boyfriends and found new ones,” she says. In her native Pakistan, there was no dating, just marriage. If a family had a television, the Taliban burned it. And if people spoke out against the Taliban, they got executed in the town square.

“It was quite hard in the beginning for Malala,” Ziauddin said of his daughter’s new life. “But I must give her credit. She is so resilient and such a smart girl, she was able to get used to her new environment and make friends.” In the film, Malala surfs the Internet and giggles about a favorite Pakistani cricket player and tennis star Roger Federer. She enjoys mini-golf, bowling, and “fighting with her brothers,” her father told Women in the World with a laugh. “She is the spirit of happiness in this house. This house is like a dungeon without her.” Malala has two younger brothers, also attending school in England. Malala’s mother, Toor Pekai Yousafzai, is getting educated as well, learning to read and write, she said last October at the Women in the World Summit in London.

Malala’s school has made a point of treating her “as a normal student,” Ziauddin said. When she won the Nobel Peace Prize in 2014, that was the first time she addressed the school, he said. Now 18 years old, Malala is applying to college and is interested in Oxford University, among others, her father said. He added that he will feel sad when she leaves home, but also “very pleased” to see her move forward with her schooling. In describing his hopes for her, he recalled a trip he took with her to Islamabad before the attack. “We went to a function and she gave a talk as if she was my son. My dream for her then was that one day, I want to see Malala come here to Islamabad on her own to give this talk, no chaperone. She should be independent. When she goes to college, she will be independent. She will be on her own. We will be good.”

Ziauddin grew up with five sisters, none of whom were given the opportunity for an education in Pakistan. They were married off, and never had an identity of their own. “No girl was given an education when I was a schoolboy,” he said. “I saw so much discrimination. Many men in society, they are comfortable with what is going on. Few people stand for change. Whatever I saw wrong in my early life, I wanted to respond with equality and justice. My goal was not to condemn, but to change.”

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These Gorgeous Animated Shorts Celebrate 11 of Mexico’s Indigenous Languages

Author: Andrew S. Vargas
Via Remezcla | March, 2016

 

To residents of the Americas, Europe can seem like a tower of Babel with dozens upon dozens of languages crammed into a small geographical space and vying endlessly for dominance or survival. On this side of the world things are much simpler: English, Spanish, Portuguese, French, and a few Dutch speakers make communication generally much smoother across the continent, along with a few New World Patois thrown into the mix for good measure.

Como llegó el conejo a la luna / How did the rabbit get to the moon from Combo on Vimeo.

At least so the thinking goes. In reality, the American continent is a place of vast linguistic diversity, with more language families found solely in Mexico than in the entirety of the European continent. And with each language comes a particular vision of the world, an inimitable expressivity, a treasure trove of wisdom accrued over the centuries and codified in words and idioms.

Seri. El origen de la tierra from Combo on Vimeo.

Yet these languages struggle desperately for survival in the midst of a post-colonial landscape dominated by a small handful of European languages. Consciously or unconsciously, indigenous tongues are often viewed as backward and those who speak them stigmatized, relegated to the margins of official society for refusing to adapt to rules set by colonizers through violence and subjugation.

Ch’ol. El origen de la vida from Combo on Vimeo.

In Mexico, this problem is acutely felt. As one of the world’s most linguistically diverse nations, Mexico is also ground zero for language extinction as grandparents and great-grandparents leave us, and younger generations bow to the necessity of cultural assimilation. Yet despite their precarious status, Mexico currently encompasses 364 indigenous dialects, belonging to 68 distinct languages which branch off from 11 language families — a legacy of Mesoamerica’s pre-Columbian golden age as the center of indigenous civilization in North America.

Mayo. El origen del fuego from Combo on Vimeo.

And thankfully some people are working not only to preserve these languages for future generations, but to empower those who speak them right now. Sesenta y Ocho Voces, Sesenta y Ocho Corazones (also known as 68 voces), is a new initiative from Mexico’s government Fund for The Culture and Arts (FONCA) that seeks to elevate Mexico’s 68 indigenous languages by preserving their myths, legends, poems, and stories in the form of beautifully animated short films. Their goal is to foment pride amongst speakers of these languages, and respect among those who don’t, under premise that “nadie puede amar lo que no conoce” (no one can love what they don’t know.)

Muere mi Rostro / My face dies from Combo on Vimeo.

There are currently seven of these short animated films available, covering dialects of the Huasteco, Maya, Mixteco, Náhuatl, Totonaco, Yaqui and Zapoteco languages. Ranging from two to three minutes, each film employs a different designer to give powerful expression the wisdom contained in these indigenous languages. From reflections on life and death, to vividly recounted myths of the ancient times, these films give Mexico’s indigenous languages their due place amongst the great treasures of human civilization.

Check them all out on their Vimeo page!

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Human, A Film Project

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Author: Yann Arthus-Bertrand
Via: Human, The Movie

Video recommended by Andrea López Tyrer from Chile/Spain, collaborator of Arttextum’s Replicación

HUMAN is a collection of stories and images of our world, offering an immersion to the core of what it means to be human. Through these stories full of love and happiness, as well as hatred and violence, HUMAN brings us face to face with the Other, making us reflect on our lives. From stories of everyday experiences to accounts of the most unbelievable lives, these poignant encounters share a rare sincerity and underline who we are – our darker side, but also what is most noble in us, and what is universal. Our Earth is shown at its most sublime through never-before-seen aerial images accompanied by soaring music, resulting in an ode to the beauty of the world, providing a moment to draw breath and for introspection.

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HUMAN is a politically engaged work which allows us to embrace the human condition and to reflect on the meaning of our existence.


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